¿En solo 160 páginas?

¡Hola a todos y todas!

Esta semana volvemos un poco muertos ya que el fin de semana pasado estuvimos en el Expomanga de Madrid. Gracias a los que os acercasteis por las firmas… ¡hasta le pidieron un Marc a Lolita! Os dejamos una fotillo de una de las sesiones aquí al lado.

Fue un fin de semana intenso, saludamos a conocidos varios pero, eso sí, ya el propio domingo volvimos al trabajo. ¡Y es que hay que seguir trabajando muchas horas a diario para terminar 160 páginas! Porque de eso irá el tuto de hoy, ¿una historia en 160 páginas? ¿Cómo hacer que el guión entre en ese espacio?

Pero antes, que no se me olvide, esta semana, como la anterior, lo más probable es que podáis pasaros más días a ver cómo dibuja Lolita por el livestream (de hecho, el lunes y el martes hemos estado ya por allí), así que estad antentos al twitter  y al facebook ya que avisaremos de cuándo andará por allí dibujando Lola.

Bueno, vaaaamos allá. Muchas veces, sobre todo en los comentarios que nos dejáis, hay dudas con respecto a cómo hacer que las historias que tenéis pensadas consigan funcionar en un tomo de 160 páginas. Es cierto que está la posibilidad de una posible continuación, pero lo más recomendable siempre es proyectar las cosas para este único tomo. Los finales abiertos siempre son muy arriesgados y la continuación del manga depende de muchas variables.

Así que… ¿cuáles son las claves para que una historia pueda entrar en 160 páginas? Seguramente hay muchas cosas que se pueden hacer, hoy os comentaré algunas:

- Detectar lo superfluo: Cuando tenemos nuestra historia delante tenemos que preguntarnos… ¿realmente qué necesita saber el lector de esta historia para entenderla? Y hay que ser sinceros y asumir que muchos de los detalles que a nosotros nos pueden parecer importantes a veces pueden resultar intrascendentes. Incluso algunas subtramas enteras.

Un ejemplo (en el cine): hace poco vi la película “El origen del Planeta de los Simios”. Es una historia de ciencia ficción de 2011 en la que hay una trama con científicos, genomas, laboratorios y que toca mucho el tema de cómo tratamos a los animales… y también hay una pequeña subtrama romántica con un personaje femenino.

Esa subtrama y ese personaje no aporta nada a lo que quiere contar la película, no hace cambiar al protagonista de ninguna manera y, sin embargo, le quita tiempo a la historia principal. Eso nosotros, al tener que hacer un manga de 160 páginas, no nos lo podemos permitir aunque nos gustara meter una historia de amor.

- No se puede contar todo. Eso no significa que no haya que introducir detalles que enriquezcan el contexto sino que, muchas veces, esos detalles deben ir más insinuados que contados y dejar que la imaginación del lector funcione y tape las cosas que, por espacio, no podemos contar.

Por ejemplo, el pasado de un personaje se puede insinuar por algo que deje caer el personaje, no teniendo la necesidad de contar todo lo que ocurrió exactamente a no ser que nuestra historia trate de eso mismo. Así nos ahorramos páginas con flashbacks o conversaciones muy largas para darle el sentido a los personajes.

- Numero limitado de personajes. No es buena idea hacer que una historia para un único tomo cuente con un gran grupo de personajes. Lo ideal es tener, como mucho, cuatro o cinco, asumiendo que algunos de ellos tendrán un rol de apoyo, de contrapunto o, pese a ser personajes clave, su protagonismo en las páginas será bastante limitado.

Podemos sentirnos tentados de tener muchísimos personajes como Ken Akamatsu en Negima o Kurumada en Los Caballeros del Zodiaco, pero en un único tomo hay que tener en cuenta que, cuantos más personajes, más páginas habrá que gastar para que el lector entienda su carácter y consiga reconocerle… Porque no es únicamente decir su nombre y algún detalle suyo, lo ideal es que el lector se encariñe con ellos o le causen alguna impresión. Nosotros tenemos cinco: Alex, Marc, Ángela, Ulises, Amelia… bueno, y la perra Chía.

- Evitar los excesos de secuencialidad. Muchas veces se peca de querer contar cada paso, de enseñar cada gesto o cosa que hacen nuestros personajes y, la mayor parte de las veces, lo que hace es recargar las páginas y consumir un espacio valiosísimo.

A nosotros nos pasó por ejemplo en las primeras páginas que mandamos al concurso, pecábamos de secuencializar todo, de mostrar cada cosita que pasaba. Por ejemplo, cuando Alex abría la librería, veíamos cómo sacaba las llaves y cómo abría la reja… cuando realmente el mensaje quedaba transmitido si salía abriendo la reja e incluso una vez dentro de la librería.

- Cuidado con los combates. Si el manga que preparáis contiene escenas de acción, planificadlas bien y tened en cuenta que un combate largo consume muchas páginas ya que, las escenas de acción, para que sean dinámicas, cuentan con viñetas grandes y arriesgadas para que queden espectaculares y, al mismo tiempo, se pueda ver claramente lo que ocurre.

Por eso no podemos meter muchos combates largos ya que prácticamente no habría otra cosa que ocurriera en el manga que las propias luchas. Eso no significa que no se puedan incluir sino que hay que planificar un numero reducido de combates con la importancia y relevancia necesaria en un tomo ya que, al contrario de shonens como Naruto, Bleach o Soul Eater, no vamos a contar con la cantidad de tomos en los que se desarrollan sus arcos argumentales.

Siempre hay más cosas que se pueden hacer, pero estas son unas cuantas ideas para tratar de ayudaros a conseguir que vuestras historias puedan entrar en un tomo de 160 páginas. ¡Espero que os sirva de ayuda! Esta semana no nos ha llegado ningún fanart pero ya sabéis que, si os animáis, podéis hacernoslo llegar mandando un correo con el dibujo a lolaldea@gmail.com

¡Vamos con vuestras preguntas!

Rock nos hace tres preguntas: Las 8 primeras páginas ¿pueden enviarse sólo en escala de grises, sin pasarlo a trama de semitonos?

Mientras en las bases no se diga lo contrario puedes mandarlo en grises. Eso sí, en caso de ganar tendrás que hacer las tramas.

El ganador de la próxima edición del concurso de Norma, ¿cuánto tiempo tiene exactamente para terminar el manga?

Tiene un poco menos de un año pues hay que tener en cuenta que tiene que estar todo listo para que se publique el título al año siguiente.

Según las bases, puede enviarse una ilustración a color o blanco y negro. En esta ilustración tenía pensado utilizar lo que me gustaría que fuese la portada del manga en el supuesto de que resultase ganador. ¿Debería utilizar otra imagen? ¿O eso no importa?

Es una sugerencia de portada, sí. Aunque luego habría que hablar con el equipo de Norma si resulta adecuada pero, en inicio, sí es una propuesta de portada la ilustración en cuestión.

Matias.Kabuki nos pregunta si puede participar en el concurso siendo de Argentina.

Como ya ha comentado MarrilMcBlazen, no hay ningún problema por participar desde Argentina. Se trata de un concurso internacional.

También nos pregunta como es el tema del livestream

Por las tardes, Lolita se pone a dibujar y mediante su web en livestream se puede ver lo que dibuja. Además solemos estar los dos por allí chateando con la gente que se pasa… aunque normalmente es Miguel el que habla más porque Lolita anda con las páginas xD Últimamente hay más livestreams que vamos avisando por twitter y facebook pero todas las semanas hay al menos uno seguro: el del martes a las 18:00 hora española.

kami.samagab Cuando enviemosla ficha de personajes ¿podemos incluir la imagen? ¿y los antagonistas principales?

Sí, se puede incluír imagen de los personajes en la ficha. Y también se pueden incluír los antagonistas.

Alexanime pregunta ¿sabéis donde conseguir modelos 3d para el manga studio o el illust?

Los modelos 3D que tiene Lolita los consiguió cuando compró el MangaStudio en la web de SmithMicro. El propio programa te viene con algunos de serie y además esta web te regala unos cuantos modelos. Fuera de ahí, tal vez probar en la web de Celsys donde hay algunos modelos 3d disponibles gratuitamente.

VeritoRL nos pregunta: ¿Existe una opción en IllustStudio parecida al “Recortar Grupo” del SAI? una capa que sirva para colorear encima de otra pero sin salirse de los bordes.

Sí que existe Si haces click derecho en una capa veras que al final de todo pone algo así como “recorte en la capa inferior” si le das ahí no te saldrás de los limites de la capa que tengas debajo de esa. Puedes poner cuantas capas quieras con este método

Sebasti_94 pregunta si la sinopsis es de toda la obra o solo del primer capitulo

Es de toda la obra.

Chaca Lozo nos pregunta: ¿quién gano el 1er concurso?

El ganador del primer concurso de Norma fue Roger Ibañez, en 1994. Eran los primeros años del manga en España y también una época distinta en el concurso, que sepamos, el premio no era la publicación de un tomo. Roger Ibañez colaboró con Norma en una revista que se publicaba por aquel entonces y luego ha tenido una carrera bastante exitosa.

Su obra más reciente es Jazz Maynard que realiza con su guionista habitual, Raule.

Con posterioridad, el concurso regresó en 2007, edición que como ya has dicho ganaron las chicas de Acuarela con Obsession.

Stephanie pregunta si se puede concursar en el concurso teniendo cualquier edad.

Sí, pero si eres menor de edad debes contar con la aprobación de los tutores legales.

También nos comenta: me pase por el tutorial de los fondos y hay algo que no entendí: por qué razón Lolita edita los fondos digitalmente? No se pueden tener ya listos cuando haces el boceto y luego solo los entintas? No se si me explico…

Lolita primero hace un boceto aproximado de lo que será el fondo y luego utiliza las reglas para corregir los errores de perspectiva. Piensa que el boceto está hecho a ojo con lo que está lleno de errores que no deben pasar a la tinta.

Con esto es todo por esta semana. ¡Nos leemos por aquí en siete días y cuando queráis por las redes sociales y los livestream!

Cómo dibujar pelo (2ª parte)

¡Hola a todos!

Volvemos en la semana de resaca del Salón del Cómic de Barcelona y casi sin darnos cuenta nos metemos de cabeza en otro evento >.< ¿Os pasasteis por allí? ¿Qué os ha parecido? Este fin de semana es el Expomanga de Madrid y andaremos ambos por allí firmando y con algún regalito como ya hicimos en el Expocómic. Lolita además es también invitada oficial así que andará firmando en el stand de la organización .

Esta semana pasada también ha habido una pequeña novedad que atañe al manga ganador del Concurso de Norma del año pasado, Pechanko!. Y es que en CIMOC podéis leer un capítulo a modo de epílogo en el que Luke hará cierto viaje… ¡y se desvelará el misterio de la cajita! Así que, si habéis leído Pechanko, no dudéis en ir para allá de cabeza y leer el capítulo… y si no habéis leído Pechanko… ¡¿Qué estáis haciendo que no lo habéis leído?! Nosotros hemos disfrutado mucho con el epílogo, ¿a vosotros qué os ha parecido? No os cortéis y comentádnoslo.

Bueno, cambiamos de tercio: primero, sobre estas líneas podéis ver el vídeo del livestream que hizo Lolita este martes pasado. Y esta semana vamos a rematar el tutorial de la semana anterior, explicando cómo hacer pelos ondulados y rizados. Para el pelo ondulado, tomaremos de modelo a un personaje de El Síndrome del Hilo Enredado, Ángela… ¡aunque aún no la conocéis!

Ángela es la compañera de piso de Alex y probablemente la mejor amiga que tiene. Es una chica decidida, activa, independiente, creativa y sin pelos en la lengua. Su excesiva franqueza le ha traído algún problema más de una vez pero eso no es algo que ella considere que deba hacerle cambiar de forma de ser. Pese a ello también es bastante sociable y empática  y el único gran defecto que tiene es que duerme demasiado. Eso tiene una razón de ser ya que Ángela trabaja en el turno nocturno aunque para Alex es todo un misterio el empleo que tiene…

Ahora que ya os conocéis… ¡vamos a usar a Ángela para el tutorial!

Cabellos ondulados:

Para este tipo de cabellos primero hay que tener unos cuantos conceptos claros: el pelo ondulado no es homogéneo. Ni en longitud, ni en lo mucho o poco ondulado que esté. Habrá ondas más marcadas y otras mucho más leves. Tampoco veremos mechones que vayan desde la raíz hasta su final y que tengan una forma totalmente definida e independiente del resto del pelo.  No se deben poner todos los finales de los mechones curvados en la misma dirección, ni ambos lados de la cabeza totalmente simétricos. Se deben evitar en lo que se pueda que las ondas cercanas entre sí tengan la misma curvatura y la misma dirección. Si no se tienen estas cosas en cuenta lo más seguro es que nos quede un pelo aburrido e igual por todas partes, monótono.

Con todas estas ideas en mente hacemos nuestro pelo ondulado, dándole además movimiento para quitarle estatismo y que la figura esté más “viva”. El pelo está a diferentes profundidades así que haremos que las ondas aparezcan y desaparezcan debajo de otras ondas superiores y así sucesivamente… hasta crear diferentes capas y mechones.

Aquí podéis ver las líneas generales que guían el pelo de Ángela en esta viñeta. Como veis no hay dos que sean muy parecidas.

Con pequeños bloques de negro acentuamos las diferentes profundidades de pelo y marcamos suavemente las distintas sombras proyectadas de los mechones consiguiendo que la línea del pelo tenga más matices y sea más rica. Pero como en todo no hay que pasarse porque si no, todo queda igual. Y un dibujo monótono no es atractivo visualmente hablando.

Por último colocamos la trama. Ángela tiene el pelo castaño rojizo oscuro, así que opté por un degradado para diferenciar su pelo del de Alex y no recargar con bloques de negro las páginas en las que salen las dos.

Pelo rizado:

En el Hilo no hay ningún personaje con este tipo de pelo, así que estos monigotes nos harán de modelos esta vez…

El pelo rizado suele seguir espirales más o menos cerradas y definidas así que lo ideal es tener esta figura en la cabeza cuando estemos dibujando este tipo de pelo. Mi método para dibujarlo es hacer primero unos discos inclinados que sería la parte del mechón que queda más cercana a cámara y después, con unas líneas más finas, unirlas para completar el dibujo de la espiral. Una vez hecha esta base añado detalles como pelos salidos un poco de sitio para que no tenga un aspecto excesivamente artificial y por último pongo el brillo que serán unas cuantas líneas bastante compactas.

En este tipo de pelo quizás lo más efectivo es trabajar con una silueta. Primero decide la superficie que quieres que ocupe el pelo y luego arregla los bordes para que se vean los mechones.

Y esto es todo por esta semana. Este martes pasado, mientras hacíamos el livestream que habéis podido ver en el vídeo, PabloKitten se animó a hacernos un pequeño regalito en forma de fanart gif animado con Alex soñando con sus enredos. ¡Muchísimas gracias por tu apoyo constante y por pasarte cada semana por allí! Ya sabéis que si queréis mandarnos un fanart, podéis hacerlo mandando un mail a lolaldea@gmail.com

Vamos ahora con vuestras preguntas:

Jazz nos hace una pregunta que le provoca curiosidad: ¿Algún motivo en especial por el que Lolita no entinte en el Manga Studio?

Los pinceles del iluststudio son más modernos y los acabados que dejan son mejores que los del mangastudio. Además el mangastudio pixela la imagen cuando se gira la inclinación del papel, cosa que el iluststudio no hace.

Cezar nos propone un tutorial si podrían de la ropa y sus pliegues.

Lo apuntamos para un próximo tutorial

Alex nos pregunta sobre nosotros: ¿cuales son nuestros mangas favoritos? ¿que genero preferimos? ¿Somos de escuchar música cuando trabajamos o preferimos el silencio? ¿Qué música nos gusta?

Los mangas favoritos de Miguel son un poco de todo: Joseis como Honey & Clover, Eres mi Mascota, Nodame Cantabile o casi todo lo que ha hecho Ai Yazawa y Paradise Kiss en particular. Me gustan mucho autores como Mitsuru Adachi del que me quedaría con Touch!, los trabajos antiguos de Rumiko Takahashi, sobre todo Maison Ikkoku, los mangas intimistas de Jiro Taniguchi como Barrio Lejano o El Almanaque de mi padre, casi todo lo que ha hecho Naoki Urasawa… Pero en fin, la lista es interminable: Berserk, Akira, Evangelion, Vagabond, Alita, Azumanga Daioh, Eagle, Fullmetal Alchemist… No tengo predilección por ningún género en particular, me gusta no cerrarme a nada.

Lolita comparte casi todo lo citado por Miguel y además le gustan mangas como Slayers, Angel Sanctuary y RG-Veda, Defense Devil o Akuma to love song.

En lo que respecta a la música Lolita prefiere trabajar con música y además a ser posible escuchada con cascos. Le ayuda a aislarse del entorno y le permite concentrarse mucho mejor. A los dos nos gusta un poco de todo, por ejemplo Miguel suele preferir bandas sonoras de videojuegos y películas y Lolita música chillout, ambiental, rock, pop… por jemplo canciones como Touch de Vast y Manic star de Conjure One. Puedes escuchar algunas de ellas como música de fondo en los videos que subimos a Youtube con los livestreams de Lolita.

¡Muchas gracias Sac por la solución que has aportado!

kami.samagab nos hace un par de preguntas: ¿Puedo hacer un fan art con un personaje de el manga que quiero enviar junto a alex por ejemplo?

No lo recomendamos. Una de las condiciones de las bases es que el material de tu cómic sea inédito

Jaryclea nos hace llegar sus dudas sobre si la posible continuación del manga correría cargo del autor o como ya es de la editorial se encargarían ellos mismos.

Tu ostentas la propiedad intelectual de tu obra así que eres el dueño y nadie podría hacer material nuevo sobre ella sin tu consentimiento. No obstante tú en el contrato cedes los derechos de explotación a la editorial, con lo cual no podrás vender la obra a otra editorial o editar tomos y venderlos hasta que no caduquen los derechos de cesión. Si la editorial quisiera continuar la obra siempre recurrirá a ti. Y en caso de que tú quisieras continuarla y ellos no, tendrías que hablar con ellos y ver qué te dicen.

Y también nos pregunta si en caso de que hubiera una adaptación animada del manga no se recibiría nada por la produccion

Supongo que en ese caso se tendría que hablar con la editorial. De todas maneras, siempre tienes derecho a que si se basa en tu obra, aparezcas en los títulos de créditos.

Roman nos pregunta de nuevo una cosa: ¿se puede trabajar en mayor tamaño que con el nombrado siempre que lo presente con el tamaño limitado?

Sí, se puede hacer. No importa lo grande que sea tu original mientras sea proporcional a las dimensiones que te piden en las bases y lo reduzcas al tamaño solicitado cuando lo vayas a mandar.

Y esto es todo por esta semana. Si os pasáis por Expomanga nos veremos por allí y si no, ya sabéis que todos los martes a las 18:00 hay livestream y, probablemente, esta semana se haga alguno que otro más de cuando en cuando que anunciaremos vía twitter de Lolita.

¡Hasta la semana que viene!

Cómo dibujar pelo

¡Se nos escapa abril!

Se va el mes del cumple de Miguel pero llega mayo… ¡y el Salón del Cómic de Barcelona! Nosotros este año no podremos ir así que los que vayáis dadnos mucha envidia y comprad muchas cosas >.< Lolita este fin de semana estará invitada en las Albanime de Albacete, por si alguno sois de por allí, tendrá actividades todo el fin de semana así que si queréis y os podéis pasar, allí os espera.

Además, esta semana hemos preparado un video con la página 31 y el proceso de entintado y entramado. Eso sí, a cámara rápida y con música. Ya sabéis que si queréis los videos al ritmo normal, los tenéis en la página del livestream.

Vamos con el nuevo tutorial: Esta vez se trata de uno de los temas que nos pedisteis algunos de los que os asomasteis al livestream de hace un par de semanas y en un comentario de uno de los anteriores post. Se trata de cómo dibujar el pelo. Esta semana iremos con el pelo moreno, rubio, rizado, ondulado… Cada tipo se hace de formas diferentes y aquí os mostraremos cómo los hace Lolita. Al ser un tutorial largo lo dividiremos en dos, así que esta vez os enseñaré como hago el pelo moreno y lacio y el rubio y en el siguiente iremos con el rizado y ondulado, presentándoos de paso a un personaje que aún no conocéis: Ángela, la particular compañera de piso de Alex.

Tenemos dos modelos de excepción… Alex y Marc se han prestado gustosos (mentira, los hemos obligado) para ejercer de modelos ejemplo .

Pelo oscuro, largo y lacio:

El primer paso sería dibujar nuestro pelo, su silueta. Al ser un pelo negro no importa que las líneas no queden perfectas, lo que importa es el contorno que sí que debe quedar tal y como queremos que sea en la versión final. Hay que intentar que el pelo fluya con agilidad y dinamismo para darle un cierto aire de movimiento.

 

Seleccionamos el área que ocupará nuestro pelo y damos un botazo de pintura negra. Ahora veremos realmente cuál será el volumen y el espacio que ocupará nuestro pelo. Deberemos corregir lo que no nos guste y añadir donde veamos que falta algo.

 

Trazamos en otra capa con color blanco las líneas “maestras” de los reflejos que tendrá el pelo. Son unas líneas que actuarán como referencias a la hora de trazar los reflejos finales y que nos guiarán para hacer las líneas con la dirección correcta del cabello.

 

¡Viñeta terminada! Como podéis ver todos los reflejos siguen la dirección hacia donde está peinado el pelo. He añadido algún reflejo más a los sitios que quedaban más vacíos, colocado tramas, efectos y bocadillos.

Pensad que hay muchas formas de hacer pelo negro… hay autores que simplemente ponen un par de rayitas para señalar de dónde viene la luz y nada más. Algunos ni siquiera ponen esas rayas y dejan simplemente el área rellena de negro y otros que hacen el pelo con todo lujo de detalles.

Para los que trabajéis en tradicional, la mejor manera de hacerlo sería dibujar los reflejos con la mayor exactitud posible en vuestro boceto, pasar a tinta los bordes de los reflejos y luego rellenar de negro el espacio restante, nunca al revés. Así evitaréis más de un arrepentimiento y además si después de dibujar las páginas las retocáis con el pc otra opción es que dejéis esas áreas que irán en negro sin rellenar y con una marquita x en ella. Así ahorraréis mucha tinta y rotuladores

Pelo rubio:

Para hacer pelo rubio tendremos que hacer las lineas que lo conforman perfectamente y sin fallos, cuidando que haya diferentes capas o mechones para poder darle vida y movimiento.

El cambio es quizás un poco difícil de ver, pero ahí está. En los lugares donde se unen mechones y se juntan líneas se aplica una pequeña sombra en negro, se refuerza y se marca esa unión para darle profundidad y diferentes alturas a cada mechón.

Quick Mask para aplicar tramas. Decidimos de dónde viene la luz y vamos haciendo el dibujo de la sombra según los mechones que hemos dibujado.

Aplicamos la trama que será de un tono muy claro y difuminamos algunos bordes con el Pincel de Patrón “tone use” y color transparente.

 

Los detalles a tener en cuenta cuando se hace pelo rubio son hacer que la línea que lo conforma no sea “aburrida” mediante cambios de grosor y algunas sombras.

Y con eso terminamos el tuto de la semana y pasamos a las cosillas que nos habéis hecho llegar esta semana. Empezamos con el fanart que nos ha enviado Luis Arturo Ortega, este dibujo espectacular con Alex ataviada con una armadura sobre los lomos de una Chia-Huargo… curiosamente tiene algo de premonitorio ya que, aunque os pueda parecer extraño, Alex aparecerá en el Síndrome del Hilo Enredado en un estilo muy parecido… Muchísimas gracias Luís Arturo además por el mail increíblemente emotivo que nos has escrito y por empujarnos con ánimos renovados para seguir adelante con este proyecto ¡Muchísimas gracias! Si alguno os queréis animar a enviar un fanart, ya sabéis que tenéis el mail de Lolita disponible

Ahora vamos allá con las preguntas que nos habéis planteado esta semana pasada que esta vez han sido poquitas.

Elemto nos pregunta: ¿cómo les surge inspiracion, o de donde se basan para los nombres de los personajes?

Hicimos una entrada tocando el tema de la inspiración aquí. Echale un vistazo a ver si te sirve de ayuda

Para los nombres decidimos usar unos que tuvieran un claro origen europeo, pero que a la vez pudieran ser españoles Fuimos pensando nombres y a base de desechar muchos escogimos los que han sido definitivos. De todas formas, con cada historia utilizamos un método diferente.

Christian nos plantea esta cuestión: ustedes habían escrito que si se llegaba a ganar las páginas debían entregarse a 1200 DPI, pero cómo puedo hacer eso si yo trabajo a 600 DPI debido a que es la máxima resolución que puedo trabajar con mi “chatarra”.

Pues me temo que tendrías que actualizar tu equipo . Usar una resolución menor haría que la impresión del manga fuera de menor calidad y eso, como comprenderás, no es admisible por parte de la editorial.

Román nos dice: Hola muy buenas, tengo una duda existencial sobre el tamaño de las páginas. Según las bases comenta: “las páginas deben estar dibujadas a un tamaño proporcional a 11,5 x 17,5 cm (tamaño de impresión final), siendo ilimitado el tamaño máximo del boceto o dibujo original, pero limitado a 23 x 35 cm (más 4 mm de sangre) como máximo para el documento entintado y tramado”. Es decir, si yo voy a dibujar sobre un A3 ¿el tamaño máximo en el que puedo trabajar es el que mencionan, 23×35 más los 4mm de sangre, o se refiere a ese tamaño a la hora de entregar las páginas?

Exacto, es el tamaño máximo que admite la editorial

Y esto es todo por esta semana, esperamos que el tuto os sea de utilidad � !!Hasta la semana que viene!!

Diálogos

¡Hola a todos!

La primavera ha llegado y casi no nos hemos dado cuenta. Nosotros seguimos currando sin parar para sacar trabajo adelante. Ya hay un buen puñado de páginas finalizadas que tenemos unas ganas locas que podáis leer y que esperamos que os gusten cuando lo hagáis. Esta semana hemos vuelto a la rutina habitual con el livestream de Lolita, que pasará a limpio unas cuantas páginas del Hilo Enredado este martes a las 18:00.

En cuanto al tutorial de esta semana, volvemos a la creación de guiones para tocar un tema central, un pilar en el que se basan las historias: los diálogos. Resulta evidente decir que, a la hora de crear un manga, los diálogos son uno de los ejes en base a los que se establece el desarrollo de la trama y uno de los principales mecanismos a través de los cuales explicamos cosas a los lectores. Es cierto que hay obras que son muy parcas a la hora de utilizarlo pero resulta muy difícil imaginar un cómic sin ellos, a no ser que tenga un perfil muuuuuuuuuuuy experimental como lo que hace gente como Yuichi Yokoyama (Viaje).

Así que asumámoslo: dependemos de nuestros diálogos, de lo que dicen nuestros personajes sí, pero también de cómo lo dicen. Y es que ese es un error muy habitual que tenemos al hacer un guión: obsesionarnos en el contenido del mensaje que queremos decir pero descuidar en cómo lo expresamos. ¿Lo primero? Por supuesto lo más obvio: cuidar la ortografía. Pero vamos a ello, intentaré daros unos cuantos consejos a la hora de afrontar la forma de crear los diálogos de vuestros mangas:

- No todo se debe explicar mediante el texto.

Puede parecer extraño que empiece diciendo esto pero el primer error que solemos cometer es hacer llegar TODA la información a los lectores mediante los diálogos y el texto. Hay que intentar que, sin leer el texto, una página pueda explicarse por sí misma. Puede que no se sepa exactamente qué ocurre o qué se dice pero sí se debe entender todo sin que exista el texto, la sensaciones globales, las reacciones de los personajes, sus sentimientos, etc. Si hacemos que todo se explique por nuestro texto, probablemente el mensaje no cale de manera suficientemente profunda en el lector si no tiene el énfasis de lo que está ocurriendo alrededor.

Pero no solo en eso, a veces a la hora de explicar un contexto social o un universo de fantasía nos centramos en hacer conversar dos personajes entre sí para que expliquen la situación cuando es mucho más efectivo mostrar sus consecuencias, por ejemplo. Muchas veces no hace falta explicar que en un mundo hay una dictadura si podemos mostrar mediante imágenes la estatua de un líder autoritario y el ejército vigilando las calles, por ejemplo.

Otro ejemplo: Pongámonos en la tesitura de que estamos en una oficina, vemos cómo un trabajador empaca todo y lo guarda en una caja con aire apesadumbrado. No necesitamos que nadie le pregunte si le han despedido, ¿verdad?

- Cuidado con los excesos literarios

Un diálogo es un diálogo. Nunca tenemos que olvidar de que se trata de personas hablando y muchas veces hacemos hablar de una forma excesivamente literaria a un personaje, quitándole toda credibilidad. Así que nuestro mayor esfuerzo a la hora de hacer un diálogo es asumir que son gente hablando y hacer que lo parezca. Es más, no todo el mundo sabe siempre qué responder a todo y muchas veces la gente duda a la hora de hablar. El objetivo es que todo fluya con naturalidad.

Hay muchas formas de buscar esa naturalidad en los diálogos pero es un requisito indispensable que lo que se lea parezca saliendo de los labios de alguien y no escrito delante de la pantalla de un ordenador. ¿Métodos? Interpreta tus propios personajes mentalmente o incluso físicamente. Imagina cómo es su gestualidad, su forma de ser y otórgales una forma de hablar acorde a cómo son. ¿Cómo saber esto? Mira a la gente que te rodea, analiza cómo son y cómo se expresan y piensa por qué utilizan las palabras que utilizan. Analizar cuanto te rodea es una buena manera de escribir mejor.

- Todo sale de tu cabeza pero no debe parecerlo.

No todo el mundo habla igual, está claro, pero tenemos que tener mucho cuidado de hacer que cada personaje tenga su forma de hablar y, sobre todo, que hable y no parezca que recita lo que le dicta el guionista. Puede que las ideas en un guión salgan de una única cabeza pero tienen que dar la sensación de que son distintas mentes las que idean las palabras y las utilizan. Leer el diálogo de un personaje tiene que ayudarnos a dar claves de su personalidad y ayudarnos a entender cómo no es… pero no por lo que dice únicamente.

Esto también significa que no todos los personajes han de estar de acuerdo, ni tener la misma postura ante algo, ni opinar lo mismo entre sí e incluso con lo que uno mismo piensa. Ellos son personajes, sí, pero han de parecer personas con sus propias particularidades.

Un ejercicio interesante es pasarle los diálogos sin ninguna referencia más a una persona con la que compartas tu historia y conozca a los personajes y preguntarle si reconoce qué frase es de cada uno.

- No abusar de las frases con impacto ni de los lemas

Una de las cosas de las que a veces pecamos a la hora de escribir diálogos es intentar que cada frase sea deslumbrante y espectacular. Que todo el mundo diga cosas inolvidables que se queden en la retina de los lectores… y es un error. Incluir frases con impacto está bien pero es un recurso que hay que utilizar con cierto tiento.

Vale, puede que tengamos aspiraciones a conseguir que la cosa quede como Casablanca y que nuestros personajes suelten cosas del tipo “Este es el principio de una bonita amistad” pero, ciertamente, detrás de las frases espectaculares que se convierten casi en citas hay muchas otras que han ido sirviendo de apoyo y avance a la historia para que, en un momento cumbre, se pueda soltar una frase más potente.

A lo que me refiero es que puede tentarnos resultar brillantes y chispeantes en cada frase pero eso, en apenas unas páginas, cansará al lector. Eso no significa que haya que ser hiperrealistas en todo y que no se pueda hacer, al fin y al cabo, pese a que nuestro objetivo sea resultar naturales y en la vida real rara vez se dicen grandes frases, no tenemos que olvidar que, como guionistas, nosotros jugamos a construir una mentira y conseguir que resulte interesante y que la gente que la lea pueda creersela.

- Mi amigo el “Wall of text”

Este apartado en particular fue uno de mis mayores problemas a la hora de empezar a hacer guiones para manga (además de ser demasiado literario). Cuando escribes un relato o una novela, los personajes pueden hablar y hablar durante líneas de texto, explicar al detalle sus puntos de vista y opiniones. En el cómic eso no es tan fácil de hacer.

Es cierto que hay mangas, como BAKUMAN., que tienen gran cantidad de texto en cada globo pero aun así hay que tener mucho cuidado con crear frases muy largas. Salir airoso de algo así requiere ser muy bueno y, con todo y con eso, corres el riesgo de resultar demasiado farragoso. De todas formas, no pasa nada por dividir una frase larga en dos más cortas y separarla en varios globos. Pero hacer que los personajes suelten “chorizos” de texto larguísimos nunca es del todo recomendable.

¿Lo mejor? Quedarse con lo esencial y resumir. No dar información innecesaria: no es necesario que alguien explique cuál es su grupo sanguíneo, su color preferido. No hace falta que cuando argumenten lo hagan citando millones de referencias. El manga es un medio ágil… y eso en nuestros diálogos se tiene que asumir, olvidándonos de los textos con un párrafo de largo.

Ahora bien, una cosa muy clara:

- Todos los diálogos tienen que dar algo de información

No es buena idea hacer que los personajes hablen por hablar sin que nos digan nada. Todos los diálogos tienen que aportar algo al lector. Aunque los personajes balbuceen y no sepan dónde van, o se pongan a hablar del tiempo… es porque nosotros queremos crear esa impresión para explicar que la relación entre ellos es tensa o no saben qué decirse.

Ahora bien, si tus personajes dicen algo… tiene que ser para aportar a la historia o para ayudar a que se comprenda mejor a los que están hablando. Lo peor que se puede hacer es incluir diálogos como relleno sin que la cosa sirva para nada.

- Tener claro hacia dónde va esto

Una conversación fluye en una dirección determinada porque los diálogos se van orientando hacia allá. No es recomendable incluir un tema ajeno a una conversación a no ser que haya un motivo para ello en la misma conversación o en el ambiente. Si se hace “a capón” quedará un poco la sensación de que el autor tiene que explicarnos una cosa y no ha sabido cómo introducirlo.

Por ejemplo, si Alex y Marc están hablando de sus libros preferidos, no tendría mucho sentido que se pusieran a hablar automáticamente del número de páginas que tienen que escribir para un concurso. Para llegar a ello, habría que, por ejemplo, introducir que Marc una vez se presentó a un concurso imitando el estilo de uno de esos autores… y de ahí pasar a, “por cierto, ¿cuántas páginas hay que hacer como mínimo?”.

La gente cuando habla divaga, sí, pero dentro de esa divagación nosotros tenemos que orientarla para explicar lo que tenemos que explicar sin que parezca muy obvio. Así que todas los diálogos tienen que tener un objetivo y tenemos que planear cómo hacer que llegar hasta él parezca natural.

- Cuidado con repetir lo ya dicho

Un error muy común es repetir una información que ya se ha dado, insistiendo en distintos globos de texto en algo que ya se ha dicho. Con un ejemplo lo entederéis mejor. Pongamos que estamos en un combate entre dos luchadores. Uno de ellos señala con el dedo con gesto amenazante a su contrincante y afirma “No tienes nada que hacer ante mi técnica Kage no Kobushi, ríndete ahora mismo” y acto seguido su rival piensa “Mi contrincante va a utilizar el Kage no Kobushi”.

Ahora en frío… ¿era necesario hacerlo? No aportada nada a la información inicial a no ser que mostremos en el gesto de él una sensación o añadamos algo como “Ante el Kage no Kobushi tendré que plantearme un movimiento evasivo, es demasiado poderoso”. Hay que evitar estas reiteraciones a toda costa… ¡y más aún si nuestro manga va a tener un único tomo!

- ¡El dibujo también habla!

Puede que el encabezado pueda parecer un poco raro pero… hay una premisa muy importante que hay que tener en cuenta: el objetivo de los diálogos y el texto es añadir información al dibujo… por lo que no hay que explicar lo que ya está dibujado. Y si lo sumamos al anterior apartado…

Me explico: pongamos la situación que un personaje aparece en una viñeta echando humo porque está enfadadísimo y tiene el rostro desfigurado por la ira… JAMÁS deberíamos añadir un diálogo que dijera: “Estoy muy enfadado”. Sería redundar y subrayar lo obvio.

- Los achaques del “Ser o no ser”

El monólogo es un recurso muy interesante… pero muchas veces tendemos a abusar de él. Si vemos que nuestro personaje está continuamente soltando discursos al aire para que el lector los escuche… es que necesitamos un secundario de apoyo que hable con él y con el que pueda compartir todos esos pensamientos sin que quede tan artificioso.

Si abusamos de que un personaje hable solo acabará pareciendo Hamlet con su “ser o no ser” o podrá ser tomado por un esquizofrénico. Los secundarios están ahí precisamente para eso, para servir de apoyo a los personajes principales y hablar con él. Si puedes hacer que un monólogo se convierta en diálogo… siempre enriquecerá más porque puedes aportar distintos puntos de vista y mayor interacción.

El soliloquio está bien para una presentación, para puntualizaciones… pero no podemos usarlo de forma sistemática. Por ejemplo, en Death Note, pese a que Yagami Light al principio tiende mucho al monólogo… en cuanto aparece Ryuk empieza a compartir con él muchos de esos pensamientos que antes eran simplemente monólogo interior transformándolos en conversaciones e incluso explicándole al Shinigami sus maniobras.

- ¿Por qué me explicas esto si nosotros ya lo sabemos?

Utilizar los diálogos entre dos personajes para explicar algo al lector… tiene una trampa en la que caen incluso en series tan conocidas como CSI. ¿Por qué Grissom y compañía se explican los procedimientos que utilizan una y otra vez durante los años y años que llevan de investigadores? Pues para que la persona que está viendo CSI entienda la razón por la que hacen las cosas.

Es difícil explicar procesos complejos sin usar esto… pero se puede conseguir tratando de naturalizarlos como si se hablaran entre ellos asumiendo que lo hará como la rutina manda… en plan “¡Oh! Hay restos de pólvora en su ropa… bueno, seguro que intenta alegar que no ha disparado y que fueron fuegos artificiales”… pero la verdad es que siempre queda artificial.

Lo mismo ocurre utilizando un secundario que es nuevo en el departamento o similares… es un problema que resulta complicado pero al final siempre aplicamos la misma máxima. No es tan importante mostrar las cosas como son en realidad sino que lo importante es que den una apariencia de credibilidad. Se puede crear una gran conversación donde mucha gente dé su opinión sobre cómo proceder… y que alguna de las posturas sea la que se elija… Es un problema complicado del que es difícil salir aunque no mucha gente lo eche en cara al final.

- No todas las viñetas tienen que tener un diálogo pero…

Nunca es una buena idea incluir diálogos en cada una de las viñetas… pero hacer lo contrario tampoco es una buena idea. Hay que tener en cuenta que una de las maneras en las que se ralentiza la velocidad de lectura cuando una persona lee una página… es por el texto existente en ella.

Por eso no es buena idea hacer que todos los diálogos ocupen solo una parte de un capítulo y que luego haya muchos más silencios y acciones a no ser que se trate de un combate o similares. Es más, si hay muchas viñetas sin onomatopeyas o diálogos el lector probablemente vuele por esas páginas y acabará con la sensación de que todo ha transcurrido demasiado rápido.

Hay que medir el tempo… aunque sea introduciendo conversaciones de vecinos en un vecindario, onomatopeyas diversas… ¿Recordáis las chicharras de Evangelion? Simbolizan el paso del tiempo entre escenas pero no dejan el silencio para que la cosa no vaya tan rápida. Eso sí, si introducís conversaciones “banales” para ralentizar el tiempo… aseguraros que aporta algo que luego os sea útil para la historia.

Probablemente haya más claves a tener en cuenta a la hora de hacer unos buenos diálogos. Yo simplemente os he aportado unos cuantos que me han venido a la cabeza. Si se os ocurren más o tenéis alguna duda, animaos y escribid un comentario. Y ahora vamos a las cosillas que nos habéis hecho llegar.

Empezamos con el fanart. De manos de Carla Luque nos ha llegado esta Alex tan shojo y tan mona. ¡Muchas gracias por enviarnosla! Carla nos ha mandado este blog por si os apetece ver alguna cosilla más suya. Si queréis hacer como ella y mandarnos un fanart, no tenéis más que adjuntarlo en un correo y enviarlo a lolaldea@gmail.com aunque, eso sí, lo no enviéis muy grande para no saturarle la bandeja de entrada a Lolita XD

Ahora vamos los comentarios que habéis dejado esta semana:

Angelcamus, nos da sus mejores deseos con el manga y nos pide un tutorial sobre la ropa.

¡Muchas gracias! Apuntamos el tutorial de ropa a la lista de pendientes

Christian nos hace una reflexión bastante interesante… y sí, probablemente poner las tramas en un manga es un elemento muy importante a la hora de sentir el acabado. Además que es muy complicado encontrar el punto exacto de tramas: Ni muchas, ni muy pocas, ni muy vacío ni muy recargado.

En cuanto al tema de lo tradicional frente a lo digital… realmente es una cuestión de elección de cada uno. Hay gente que se siente más cómoda trabajando en tradicional mientras que otra prefiere el digital. Los acabados son un pelín diferentes pero no hay una gran diferencia sustancial y ambos métodos tienen pros y contras. Lo importante es trabajar de la forma que más sencillo te resulte y disfrutar con el proceso.

AncelTheWolf nos pregunta ¿cuál es el mínimo de tamaño de font que debería usar para un globo de texto?

Realmente depende de la fuente que uses, por lo que no hay un tamaño estandar. Nosotros estamos usando un tamaño de letra 6 con la fuente que utilizamos. Lo mejor sería que imprimieses unas cuantas páginas de tu manga al tamaño real (en el que se imprimiría la obra) y mires si las letras te parecen grandes o pequeñas. También puedes comparar estas impresiones con páginas de otros mangas y ver si los tamaños de letra difieren mucho.

Egumi nos pregunta si es factible poner hasta el margen que piden respetar en negro en lugar de blanco como un elemento para darle una sensación a una escena.

Sí, de hecho si los bordes de la página son negros o con una trama hasta el mismo borde de la hoja, tanto el uno como el otro deben ocupar también el area de sangrado. Así en caso de q se mueva el pliego en la guillotina no quedará un antiestético borde blanco donde debería ir negro.

Matias nos pregunta por un tutorial del genero cyberpunk/sci fi/ o futurista

Sí, Miguel comentó alguna vez de la posibilidad de hacer un tutorial al respecto si le interesaba a alguien XD Ahora que le interesa a alguien pues lo hará en un futuro (Que anda buscando temas que tocar como el de hoy XD).

kam.samagab nos pregunta si es raro no usar tramas más que para la textura de la ropa o para dar énfasis a una escena dramática.

No, no es raro. De hecho, hay autores que no utilizan ninguna trama y que se sirven del rayado, hay autores que utilizan fotografías directamente pegadas… el espectro de posibilidades es tan amplio como los mangakas que hay.

Elige tu estética y la forma en la que quieres trabajar… aunque, eso sí, sé crítico contigo mismo para saber también que cosas de tu estilo te aportan y te hacen especial y que otras al final pueden resultar un lastre.

También nos pregunta si, ya que él utiliza onomatopeyas en japonés, puede añadir fuera de la viñeta en letra pequeña el significado con fin didáctico.

Sí, no hay ningún problema. De hecho, creo recordar que Inma R. en O.U.T utilizaba las onomatopeyas en japonés. Nosotros personalmente preferimos ponerlas en castellano pero, al final, esto es una cuestión de elección y hacerlo de una manera u otra tampoco tiene porque ser negativo. Al igual que los japoneses con su escritura nosotros también podemos usar nuestras letras de igual modo. Es complicado liberarse de la forma tan sumamente mecánica que tenemos de escribir para ver las letras más como dibujos y así poder modificarlas sin que pierdan su sentido a la hora de leerlas. Es interesante ver qué hacen los japoneses, ver qué deforman y qué estilizan y entender como se pueden hacer letras que transmitan tanto visualmente pero que a la vez tengan un mensaje que se pueda leer claramente.

Tanto kam.samagab como Asfalanub nos preguntan si es obligatorio encargarse del blog semanalmente si se gana el concurso. 

Realizar el blog semanalmente es parte innegociable de ganar el concurso. Es una labor exigente ya que tienes que preparar unos contenidos que gusten y útiles cada semana… pero al mismo tiempo, al menos a nosotros, nos resulta muy gratificante leer vuestros comentarios y saber que hay gente ahí que lee lo que escribimos y nos aportan cosas.

Puede parecer un gran peso pero también da muchas satisfacciones.

Camilo nos pregunta si es obligatorio utilizar el ordenador para hacer el manga o se puede hacer de forma tradicional.

No es obligatorio mientras que puedas enviarle las páginas digitalizadas cuando estén terminadas. Es decir, con que escanees con buena calidad tus páginas y puedas hacerlas llegar con un buen acabado, no hay ningún problema en que el manga se realice de forma tradicional.

Blue nos pregunta que, en el caso de ganar el concurso y de que hubiera una productora interesada en hacer un anime del manga ganador , ¿quién tendría los derechos?

Pues… así a bote pronto te diría que seguramente en el hipotético caso de que se quisiera realizar una adaptación animada, el propietario de los derechos sería la editorial. Aunque si te somos sinceros, no es algo que te podamos asegurar al 100%. De todas formas, lo normal suele ser siempre esto. Así es en Japón, en Estados Unidos y en España… así que seguramente los derechos sean de la editorial.

Elemto nos pregunta donde puede conseguir tramas para manga studio online.

En la propia página de Celsys hay bastantes materiales para descargar si tienes el programa original.

Con esto terminamos el post de esta semana. ¡Nos vemos la semana que viene y ya sabéis que nos tenéis por facebook y twitter para cualquier cosa!

Colocar tramas en Manga Studio

Buenas de nuevo a todos Esta semana ha sido un poco rara… un técnico nos ha trasteado la linea de adsl y teníamos la duda de si se podría hacer livestream. Pero no ha habido problemas, así que este miércoles a las 18:00 hora española Lolita estará haciendo páginas en streaming Avisaremos como siempre por las redes sociales Facebook y twitter.

Lolita ya está pasando páginas a limpio a toda mecha, entintando y entramando. ¿Qué tal lleváis vuestros proyectos? recordad que en verano aunque haya vacaciones el calor es muuuy malo para trabajar, así que adelantad todo lo que podáis y no lo dejéis para agosto.

Aprovechando que toca entramar páginas he decido hacer un tutorial de tonos con el Mangastudio. Como sabéis también se puede usar photoshop para dar tramas, pero prefiero usar este programa que es especifico para estos menesteres y que cuenta además con muchos modelos de trama ( unos 3000) muy modificables.

Esta es la página en cuestión en la que estoy trabajando. Como veis está desnuda, sin ni una trama.

Una cosa a tener muy en cuenta a la hora de entramar es que hay que seleccionar las zonas muy bien y cuidar que no queden “calvas” a lo largo de las zonas entramadas.

Para esto es muy útil  la herramienta “quick mask” o mascara rápida. Con esta opción rellenamos con color una zona que se convertirá en selección y que después rellenaremos con la trama elegida. Pero veamos cómo lo hago exactamente.

Pincho en Quick mask y a partir de ese momento las plumas pintarán con ese color tan llamativo. Delimito con la pluma las áreas que voy a rellenar en ese momento haciendo lo mismo en cada una de las zonas que vayan a llevar la misma trama. Una vez hecho esto con el bote de pintura relleno el área interior de las líneas que acabo de dibujar.

Cancelo la Quick mask y voilá, tengo mi área perfectamente seleccionada.

En este caso es un tono plano así que uso el botón de creación de tonos planos, selecciono las opciones que me interesan y listo. Zona entramada.

A partir de aquí el proceso se repite una y otra vez de la misma forma.

En este caso al no ser una trama plana voy a la carpeta de tramas, elijo la que deseo poner y la arrastro al interior de la selección.

En este ejemplo haremos algo un poco diferente, colocaremos una trama y ocultaremos las partes de la misma que deseemos.

Primero seleccionamos el area con quick mask, al igual que antes.

Para tapar las áreas de la trama que no queramos que se vean creamos una “Masking layer”, una capa de enmascarar. Este tipo de capas tienen la propiedad de que todo lo que hay bajo ellas y que está en su misma carpeta se vuelve transparente. Por eso creo también una nueva carpeta en la que meteré la masking layer y la capa de las tramas a las cuales quiera “hacer desaparecer trozos”. Pensaréis: ¿y por que no simplemente borra esos trozos de trama? Por que si en algún momento me arrepiento de haber borrado algo, simplemente hago desaparecer ese trozo de la máscara que lo tapa. Así me evito las calvas de las que hablé al principio y que podrían aparecer si relleno mal. Además haciendo esto tampoco pierdo el área que ocupa la trama en sí con lo cual si luego pienso que quedaría mejor más inclinada o hacia un lado u otro simplemente la muevo y no tengo que rellenar los trozos que borré.

La página terminada

Y eso es todo por esta semana, espero que os sea útil cuando entraméis vuestro manga Ahora pasamos a lo que nos habéis ido dejando esta semana. Para empezar, Christian Molinanos ha enviado un fanart de lo más guapo con un estilo muy shonen que le sienta genial a Alex. ¡Muchísimas gracias, Christian! Podéis ver más cosas suyas en su Deviantart.

Ahora pasamos a responder vuestras preguntas:

Egumi sigue el hilo del tema de la semana pasada y nos pregunta si la nieve sería similar a lo del sol pero con motas mas pequeñas.

Sí y con distintos grados de difuminación y de tamaños, conforme estén más o menos cerca de la “cámara” aunque con cierta forma ovalada.

En cuanto a lo del tutorial de tramas de efectos como magia o armas seguramente lo hagamos más adelante.

Angelcamus nos pregunta: ¿Si hago el dicho resumen como redactando una novela o algo asi,seria perjudicial ya que es un manga,no una novela…o eso daria una mejor idea de las capacidades de redactar que se posean?

Nos alegramos mucho de que te animáramos a dibujar! Sobre todo no hay que rendirse y perseguir lo que se quiere. Las sinopsis tienen una particular forma de escribirse que tampoco se parece a cómo se escribe una novela. En una sinopsis hay que usar un lenguaje muy concreto y sencillo, sin demasiados artificios y que vaya al grano sin dar la posibilidad de quien lo lea se pierda. Trata de ser dinámico y visual pero no te recrees en descripciones que no llevan a ningún sitio. Si quieres describir un personaje, tienes las fichas.

Piensa en la sinopsis como si estuvieras dibujando un mapa, no necesitas dar todos los matices, simplemente tienes que dar referencias para que quien lo vea se oriente. Para eso usa frases cortas pero bien construidas. Evita tiempos verbales como “acaba de”, “empieza a” o “va a hacer”. Es mejor usar “Alex escribe” que “Alex empieza a escribir”, por ejemplo.

Elemto (que nos sigue sin P), nos pregunta varias cosas:

¿si trabajas en equipo (somos adolecentes ) y ambos quieren demostrar que pueden hacer mucho y lograr una gran obra, pero hay unos inconvenientes para continuarla (de parte de alguno), que consejo nos darias?

Depende de muchos factores. Depende de las capacidades que tenemos cada uno, depende de la confianza que tengamos entre nosotros, depende de tantas y tantas cosas.

Si hay confianza suficiente, siempre que la persona que pueda seguir adelante sepa hacer el trabajo de la persona que lo tiene que dejar, pues la terminaría. Pero claro, la parte que se retira tiene que confiar en la otra persona como para “darle” el proyecto sin reclamar nada más allá que el agradecimiento, la inspiración, etc.

Si no es así, lo mejor es esperar hasta una mejor ocasión en la que ambas personas puedan presentarse.

Lo que nosotros recomendamos es que habléis mucho en caso de que ocurra. Y, sobre todo, que seais sinceros con vosotros mismos y os planteéis si vais a poder llevar a buen puerto el proyecto en el que os vais a embarcar antes de presentar vuestra obra a cualquier editorial o a este concurso.

¿cuando se publique el hilo enredado, si soy de mexico y no puedo ir al salon del manga, lo podre conseguir online?

Pues ahora mismo no lo sabemos. En formato digital, estará disponible en CIMOC, echa un vistazo a ver si te permite comprar obras desde allí. En formato físico habría que acudir a tiendas tipo Amazon probablemente.

kami.samagab nos pregunta si con el manga studio hay alguna forma de pasar colores a tramas.

Si he entendido la pregunta, te refieres a convertir un dibujo coloreado en un dibujo en grises a base de trama de puntos negros. Esto con el Manga Studio no he probado a hacerlo pero sí que se puede hacer con el photoshop. Las Skizokrillian hicieron un tutorial para realizarlo con el photoshop que puedes ver aquí.

Por otro lado nos pregunta cómo hacer para escanear una imagen a 1200dpi

Para poder hacerlo, es necesario tener un scanner capaz de conseguir una resolución de 1200dpi. Si no lo tienes no se puede hacer y tendrías que acudir a una copistería. Y si tu scanner sí lo permite simplemente revisa las opciones de resolución aunque donde encontrarlas varía muchísimo dependiendo del programa que se use, del modelo de scanner etc. así que tendrás que investigar >.<

Por último nos pregunta: ¿cuando envie las 8 paginas en que formato lo tengo que enviar en jpg. si ese es el caso ¿la resolucion sigue siendo la misma o tengo que cambiar algo?

Las páginas para el concurso para empezar tienen que pesar menos de 8 megas, que es lo que admite el correo de Norma. En caso de que ganes y se publique tu manga, entonces tendrías que entregar las páginas a 1200dpi.

La idea es que mires a ver qué resolución más alta te permiten tus páginas sin alcanzar los 8 megas. De todas formas, ten en cuenta que en las bases ya dicen que puedes comprimir las páginas o enviar el proyecto en varios correos de ser necesario pero nosotros lo enviamos en sólo uno para que no se perdieran las cosas por el cyberespacio XD.

Yan nos dice: En las bases pone que hay que especificar el nombre y los apellidos, pero si se quiere usar un pseudónimo para el manga, ¿se tienen que incluir las dos cosas en los datos?

Sí, tendrías que poner tu nombre real y al lado tu nick o pseudónimo diciendo que quieres aparecer como tal.

Si no me equivoco en las bases pone que se pueden presentar hasta 3 obras por autor, ¿podría ser incluso que una persona presente un manga de forma individual y además otra en la que participe con otra persona?

Pues imaginamos que sí mientras que ninguno de los participantes no sume más de tres proyectos enviados no debería haber problema según las bases.

¿Hay alguna forma de saber el número total de votos del público de la anterior edición del concurso?

Pues no lo sé, pero no lo creo. Nosotros no sabemos cuánta gente nos votó pero la verdad es que el concurso estaba muy reñido por lo que no creo que hubiera grandes diferencias.

Y esto es todo por esta semana, que aprovechéis muy bien estos días y la semana que viene volveremos y traeremos cositas y datos del Hilo!!

Fenómenos climatológicos

¡A las buenas a todos!

Se acabaron las vacaciones y vuelve la rutina habitual. Esperamos que estos días de descanso os hayan cundido y le hayáis dado duro a vuestras ideas e historias. Nosotros, como comentaba alguien la semana pasada, hemos seguido con nuestros hilos y enredos, jeje. La fase de lápices va por muy buen camino y además, la semana pasada pudisteis ver cómo Lolita entintó un par de páginas del segundo capítulo en el que Marc hacía aparición entrando a la librería donde estaban Ulises y Alex (¡chan chan!). Ya sabéis, como cada semana, este martes 10 de abril a eso de las 18:00 horario español Lolita estará en el livestream. ¡Pasaos un rato a charlar con nosotros si queréis!

¡Esta semana además se acabó el plazo para los títulos del libro de la portadilla de Marc! Al final ha habido más de 20 propuestas muy originales todas ellas como ese fantástico mundo de los mirápodos o hacer que leyera el propio Síndrome del Hilo Enredado (si Marc estuviera mirando la portadilla de sí mismo igual iniciaba un bucle infinito y acabaríamos cargándonos el mundo O.o). Así que nos hemos reunido Lolita y Miguel y, tras una deliberación hemos decidido que el ganador será (redoble de tambores): ¡Hilando el destino que nos propuso Zero Hidari! Así que la portadilla incluirá el título que nos has propuesto y el nick! Gracias a todos los que os animasteis a participar, la verdad es que nos provocasteis más de una sonrisa y algunos lo razonasteis mucho. ¡Nos ha costado muchísimo decidirnos! >.<

Y sin más dilación, esta semana vamos a por un tutorial que nos pedisteis hace algún tiempo a través de los comentarios: Fenómenos climatológicos. Cómo dibujar rayos, niebla, lluvia y demás efectos del tiempo.

Los fondos naturales, especialmente el cielo y paisajes, tienden hacia un cierto semirealismo en el manga. Se prescinde de la línea para delimitar los elementos y se recurre más a los degradados y efectos de luz-sombra para dar volumen.

Los trabajos con trama sobre degradados del cielo y en general los ambientes siempre tienen ciertas oscilaciones en la iluminación, así que suele quedar mejor si usamos este tipo de trama como fondo.

El sol:

Trazamos un círculo perfecto en la trama del degradado y borramos su contenido.

Después usando el pincel de motivos (pattern brush), en concreto el llamado “Tone use”  (que como su nombre indica está especialmente pensado para usar con tramas) difuminamos los bordes de la esfera para darle ese característico halo que tiene el sol.

 

Nubes:

Se empieza con la imagen esquemática de las nubes que queramos realizar y que nos guiará a la forma aproximada que tendrán finalmente.

Volvemos a usar el pattern brush sobre la trama, combinando “tone use” y “Airy spots thick”. A base de borrar y volver a pintar en la trama con estos dos pinceles se conseguirá ese aspecto desdibujado y algodonoso típico de las nubes.

 

Rayos:

Para este tipo de efectos recomiendo ver fotografías de rayos, son efectos muy breves en el tiempo y difíciles de ver con lo cual es muy fácil no dibujarlos bien. Así que no hay nada mejor como buscar referencias en Internet.

Para los rayos lo primero que hay que hacer es dibujar lo que serían sus ramas centrales. He usado el brush pen del mangastudio para realizarlos, pero valdría cualquier pen o brush que nos dejara una línea blanca muy nítida y que nos permitiera grandes fluctuaciones en el grosor del trazo.

Al ser fenómenos lumínicos muy potentes crean grandes resplandores a su alrededor, sobre todo en su punto de nacimiento, en el lugar en el que chocan con la tierra y en varios sitios a lo largo de sus brazos.  En este punto del dibujo he colocado las zonas de mayor luminosidad usando los pattern brush “Airy spots thick” para los puntos de mayor luz (que serán pocos), “Tone Use” para difuminar los bordes y extender la zona de luz y “hatched” para lo mismo, para seguir difuminando.

Uso de nuevo el “Hatched” para dar más luz reflejada en las nubes de las cuales nace nuestro rayo.

Por último usando “Cross hatching” doy aún más intensidad a la luz.

Niebla:

Para hacer este efecto he usado tres capas, la del fondo con el degradado que no tocaré, la capa con la figura (el moñecote) y la capa superior, que es una capa idéntica a la que tengo puesta de base, pero con algunos de sus parámetros cambiados. Primero le doy la vuelta a la capa y hago que la parte más oscura quede abajo, al contrario que la trama base y después en vez de que los puntos sean negros los cambiaré para que sean blancos (estas opciones se sacan al hacer click izquierdo en el botón de la trama en cuestión. Después borro lo dibujado en esa capa y, una vez limpia, usando “tone use” y “Hatched”  dibujo esa niebla blanquecina que tamizará el dibujo que hay debajo. La clave es hacer que sea muy vaporosa y translúcida y sobre todo irregular, para que sea lo más natural que podamos.

 

Lluvia:

Para la lluvia uso otra vez tres capas: el degradado del fondo, el dibujo en cuestión y una capa superior en la que colocaré una regla de paralelas. Después muevo la regla hasta que tenga un angulo más natural, ya que raramente la lluvia cae a plomo hacia el suelo, si no que suele hacer viento que modifica la inclinación de las gotas. Y después solo restará hacer líneas en blanco y negro para generar profundidad y hacer esas gotas de lluvia al caer.

Como toque final pongo los pequeños rebotes que tienen las gotas al chocar sobre las superficies.

Y eso es todo por esta semana: espero que os sea útil y estos pequeños consejos os ayuden a hacer este tipo de efectos con más facilidad

Esta semana nos llegó un fanart de Lady Wyrm, que nos deja a una Alex de lo más chula preocupada por el bloqueo e incapaz de escribir una palabra… ¡Nos ha gustado mucho! ¡Gracias por currártelo! Si queréis ver más dibujos suyos, podéis visitar su deviantart.

Vamos ahora a por vuestras preguntas. Lo primero es que sí, Christian, la verdad es que ver cómo un guión comienza a tomar forma y seguir pasos, ver cómo empiezan a salir páginas primero en lápices y luego terminadas es algo que impacta y te deja un poco a traspiés… ¡sobre todo si se tiene nula habilidad con el dibujo como es mi caso (Miguel)! XD

Por otro lado, Aspirante a Mangaka nos pregunta si el manga, al ser un tomo único, debe dividirse en diferentes capítulos de 17 páginas cada uno con su respectiva portada dentro del mismo tomo, al igual que los tomos habituales de Naruto, One Piece y Bleach por ejemplo, o la historia iría seguida, sin portadas, o debe dividirse en capítulos de entre 30 o 50 páginas más o menos.

Pues eso, como suele ser habitual en estos casos, es una decisión que debes tomar tú. Si te sirve de guía, nosotros estamos dividiendo la historia con unas 18-20 páginas por capítulo, aunque hay algunos con más páginas. Y también los estamos dividiendo con portadillas. Creo recordar (hablo de memoria) que las chicas de Skizocrillian también usaron portadillas en Pechanko y que Inma también lo hizo en O.UT

Daví nos comenta que en las bases dice que el material debe estar entintado y no se admitirán trabajos presentados a lápiz o color. Ahora bien, si estando el grueso del cómic entintado se quisiera añadir como recurso puntual algunas viñetas a lápiz (para los recuerdos borrosos de un personaje) ¿podría hacerlo? (os lo pregunto porque mi historia justo empieza así y no quiero enviar las 8 primeras páginas ya con errores xD.

Mientras se use como un recurso puntual dentro de la historia no creo que haya problema. Ahora bien, si se trata de las 8 primeras páginas, es decir, lo que quieres enviar al concurso, lo mejor sería que incluyeras algunas con el acabado final entintado. En parte, tienes que tener en cuenta que en esas páginas de muestra estás mostrando no únicamente la historia, sino tu capacidad narrativa y el acabado que tienen tus páginas por lo que mostrar un recurso puntual como lo único que se ve para juzgar tu trabajo nunca es recomendable. Como siempre, la última decisión la tienes tú pero, desde mi humilde punto de vista, como recurso es totalmente admisible pero yo no apostaría por mandar únicamente unas páginas de acabado a lápiz para el concurso.

También nos pregunta si el resumen del argumento que hay que enviar es un documento que se queda Norma o es lo mismo que luego se publica en internet acompañando a las 8 páginas si queda finalista. Es decir, ¿debe ese documento incluir el desarrollo y conclusión de la historia o solo un planteamiento somero?

Nosotros para este punto lo que hicimos fue incluir dos resúmenes del argumento: el primero completo para Norma y el segundo una sinopsis corta que no mostraba los puntos clave de la historia para que se colocara en el portal en el que tuvieron lugar las votaciones. Probablemente los que no incluían el resumen breve era porque no lo adjuntaron cuando lo enviaron. Lo que siempre debe incluír sí o sí es la historia completa para que, desde Norma, puedan juzgarla y, opcionalmente, la sinopsis corta para la web. Pese a todo, si no quieres que toda la historia se “destripe” es recomendable mandar también la corta.

Elemto (esta vez sin su P) nos hace un par de preguntillas: La primera un poquillo de despiste PP… ¿hemos terminado el hilo?

¡No hemos terminado el Hilo! Estamos ahora trabajando en ello para publicarlo en el mes de noviembre, en el Salón del Manga de Barcelona. De hecho, semana a semana vamos avanzando pasito a pasito, en los livestreams se hacen portadillas y páginas (sin spoilers, claro está XD) que podréis ver en el tomo. Así que bueno, nos alegramos mucho de que tengas ganas de leerlo pero tendrás que esperar unos mesecillos aún >.<

La segunda es si nos darán ejemplares de nuestra obra cuando se publique.

Y la respuesta es que sí, normalmente en todos los contratos de publicación se estipula un número de ejemplares que se entregan al autor así que sí.

Seguimos con Fanna a la cuál Lolita le da las gracias por los piropos >.< Nos hace varias preguntas: ¿de dónde ha sacado Lolita todas esas tramas?

Pues vienen incluidas con la versión del MangaStudio, creo que vienen cerca de 3.000 tramas de todos los tipos, además de modelos 3D y muchos otros recursos además del programa en sí.

Luego nos pregunta si en la portada que se envíe de manera opcional debe aparecer el titulo de la obra o debo hacer la portada y aparte el diseño del titulo?

Pues suponemos que siempre se puede optar por cualquiera de las dos opciones pero lo más lógico sería incluirlo. Aunque el diseño final en caso de que ganes tendrá que pasar por el equipo de Diseño Gráfico de Norma que tienen mucha más costumbre en estas cosas que la mayoría de nosotros xD

La contraportada tiene un pequeño resumen de lo que contiene el tomo, ¿ eso lo debemos hacer también los que queremos participar o solamente con hacer la ilustración de la contraportada ya es suficiente?

Nosotros optamos por hacerla y creemos que es la mejor opción. Aunque las historias sean muy complejas, siempre tenemos que intentar ser capaces de resumirla en unas pocas líneas y que la obra pueda resultar interesante y captar la atención de la gente a la que le pueda interesar. Es muy difícil pero la capacidad de concrección es algo indispensable y muchas historias muy buenas a veces se pueden quedar un poco por el camino por no saber condensar bien todo a la hora de presentarlas.

¿Es obligatorio acortar nuestro manga para, solamente, hacer un solo tomo?

Siempre se es libre de mandar un proyecto con un final muy abierto y esperar a una posible continuación pero, por regla general, hay que mentalizarse que hay que hacer que una historia que quede condensada en un único tomo, que cierre bien la trama aunque siempre cabe la opción de dejar la posibilidad de que las cosas puedan seguir. Pero el tomo en sí ha de contener una historia completa y con sensación de finalización, vaya.

kami.samagab nos comenta que, a la hora de resumir una historia, quiere que la editorial se dé cuenta de que tipo de historia es ya que su manga trata de un ambiente real con mafias que puede parecer algo oscura pero contiene elementos de humor absurdo que la aligeran, y desea saber si puede incluir el género de la propia historia.

Lo ideal es que en el resumen de tu historia se note cómo es tu manga. En tu caso, mejor que incluir el género, optaría por hacer que en el propio resumen se deje ver algo de ese humor absurdo… ya sea a la hora de redactarlo o metiendo alguna puntualización a la hora de explicar alguna de las escenas. Vamos, puedes ponerlo pero creo que lo que mejor impresión da siempre a un editor o a un jurado es que, leyendo la sinopsis, tengas muy claro qué tipo de historia se van a encontrar. De todas formas, ten en cuenta que también tendrás 8 páginas de cómic para demostrar ese tono así que tampoco pasa nada si la sinopsis queda un poco oscura si en las páginas se ve que aligeras el tono con algo de humor.

También kami.samagab nos pregunta si es un gran problema que tenga un estilo similar a Eiichiro Oda.

Hombre, cada cual tiene su forma de dibujar y, aunque tu influencia de Oda esté clara, seguramente tengas elementos propios tuyos por lo que no creo que resulte un problema propiamente dicho. Entre los finalistas del año pasado hubo algunos finalistas con influencias claras a estilos conocidos y llegaron a estar dentro de las últimas cinco candidatas así que no creo que lo que comentas sea un problema.

kami.samagab, Roketto_team y Fanna nos preguntan todos ellos si las portadillas cuentan como extras o se incluyen en las 160 páginas

Las portadillas se incluyen en las páginas del tomo, no en los extras. Hay que tener en cuenta que esas 160 serán las páginas con las que contaremos para contar nuestra historia y bueno, siempre es opcional poner esas portadillas de separación entre capítulos.

Zeiker también tiene otras cuantas dudillas: ¿Es necesario escribir el final del manga en el mismo archivo donde esta escrito el argumento no? si es asi, ¿seria mal visto separar ambos de una manera algo bruta, como poniendo “argumento general:….” y “final:…”?

Ten en cuenta que lo que tienes que mandarle a Norma para el concurso es un resumen de toda tu historia paso por paso desde el planteamiento hasta el final por lo que, poco a poco, se irá viendo que se acerca el final.

Si quieres, siempre puedes separarlo en plan Planteamiento/Nudo/Desenlace, pero lo ideal es que todo vaya fluyendo un poco y explicándose hasta llegar al final. También puedes introducir a lo que sería el final de tu historia iniciando el párrafo donde lo explicas en plan “Finalmente, fulanito derrota a quien sea y se van juntos a la Villa de la parra” o “La historia concluye cuando menganita y su amado finalmente se declaran mutuamente su adoración y deciden irse a vivir juntos” por poner dos ejemplos bobochorras para que me entiendas xD

Otra pregunta, si se llega a ganar, ¿en que paises seria publicado el manga?

Inicialmente en España y también en formato digital vía CIMOC.

También Zeiker nos pregunta si pueden concursar dos personas en conjunto aunque sean de diferentes paises y si, el hecho de que lo fueran cambiaria en algo la opinion del jurado

Por supuesto que se pueden participar dos personas en conjunto aunque sean de distintos países. Es un concurso internacional así que no creo que en ningún caso cambie de alguna manera la opinión del jurado: la nacionalidad no importa, lo que se juzga es la obra en sí.

ShiroSoul vuelve a la carga con otras dos preguntillas: la primera es ¿cuanto tiempo hay desde que te dan los resultados del concurso hasta que el ganado tiene que presentar la historia completa?

Un poco menos de un año. El ganador se da en el propio Salón del Manga de Barcelona, que suele caer a finales de octubre, principios de noviembre. Y el manga tiene que publicarse en el Salón del año siguiente por lo que hay que tenerlo todo listo un mes, mes y algo antes para maquetar bien, hacer pruebas de impresión e imprimirlo para que se pueda poner a la venta.

A la hora de hacer onomatopeyas, cuando hay alguna que no estas seguro de como poner,como me pasó a mi por ejemplo arañando una puerta con las uñas, en esos casos¿como te las apañas?

Pues hay algún libro publicado de significados de las onomatopeyas pero curiosamente suele ser orientado normalmente en plan diccionado onomatopeya/español. Nosotros en esos casos miramos en cómics de otra gente o preguntamos a amigos. De todas formas, la mejor manera que hemos descubierto últimamente ha sido… ¡por twitter! XDDDD

Fanna vuelve a la carga en una intervención ninja en la que añade una cuestión más: ¿Los novatos tienen alguna posibilidad de ganar?

No sé si termino de entender a qué te refieres con novatos. A ver, si te refieres a los novatos presentándose al concurso, Skizocrillian ganó presentándose por primera vez. ¿Los novatos en el sentido de si nunca han publicado otra obra antes? Ni Luís Moreno ni nosotros mismos habíamos publicado una obra antes (aunque ahora Lolita sí lo ha hecho). ¿Los novatos en lo que a nivel de dibujo? Bueno, determinar quién es novato o no es algo terriblemente complicado de saber realmente así que, si te soy sincero, la única posibilidad que hay de no ganar es no presentándose. Nunca sabrás si tienes alguna posibilidad de conseguirlo a no ser que pruebes a hacerlo. Por ejemplo, Miguel en esta edición pensaba que no deberíamos presentarnos y fue Lolita la que diciendo algo similar a esto finalmente nos animó a hacerlo. Además, ganar es un buen objetivo pero no es el único objetivo: en el camino hasta presentarnos hay un reto, hay algo que conseguir y un esfuerzo y una exigencia que nos harán progresar y aprender. No sé si esto te servirá como respuesta XDD

Ambientación

¡Hola a todos y todas!

¿Cómo ha ido la semana? ¿Cómo lleváis esas historias? ¿Los exámenes os han dejado algo de tiempo? Ya están aquí las vacaciones de Semana Santa y seguro que le podéis pegar un arreón. Lolita estuvo en el Salón del Manga de Sevilla y hemos estado trabajando en la rutina diaria con el Hilo y, poco a poco, parece que la historia va materializándose aunque todavía quede mucho camino por delante. Esta semana después de unos cuantos tutos preparados por Lolita, me pongo yo, Miguel… y, antes de empezar con el tema de esta semana, os voy a a confesar una tontería que vengo pensando estos días:  ver cómo poco a poco el guión que tenías en la cabeza va tomando forma, cómo los personajes empiezan a tomar la gestualidad que imaginabas y las escenas que tenías claras de una manera empiezan a aparecer dibujadas en una página de un manga es una sensación alucinante. Y eso que, en ocasiones, las cosas se modifican y varían mucho de cómo se había ideado la escena originalmente, añadiéndole detalles que acaban por convertir las cosas en algo diferente a lo imaginado. Sé que muchos de vosotros sois artistas completos y os encargáis de ambas partes pero, para mí, que dibujar es algo inalcanzable, ver como todo toma forma resulta, de alguna manera, un poquito mágico.

¡Pero voy a dejar de ponerme a decir bobochorradas y voy con lo que toca esta semana! Lo primero: finalmente habrá livestream martes 03 de abril a las 18:00, como las anteriores semanas, en el que estaremos los dos para charlar con todos los que os paséis mientras Lola trabaja en una de las páginas del Hilo. Lo anunciaremos por twitter y facebook

Lo segundo: ¡algunos de vosotros os habéis animado con el concursillo que empezamos la semana pasada! Os lo recuerdo por si acaso y aclaro un par de dudillas que surgieron: se trata de pensar un título inventado para el libro que está leyendo Marc en la portadilla del anterior post que aparecerá al principio del capítulo 3 de la historia. El título puede ser simplemente una frase, un par de palabras o lo que sea que parezcan el título de un libro. Ha habido algunos muy divertidos y algunos muy razonados, ¡¡pero aún quedan dos semanillas más, hasta el segundo post del mes de abril (que será el día 9 o el 10 aproximadamente)!! Podéis seguir dejando los títulos que se os ocurran para el concurso en este mismo post o en el anterior, tendremos todos en cuenta a la hora de elegir el que más nos guste.

Y lo tercero: el tema del que voy a hablar esta semana. Es un tema que, muchas veces, cometemos el error de dejar un poco de lado pese a que resulta casi tan importante como la creación de una historia o inventarse unos personajes. Hablo de la ambientación de la historia. Muchas veces se tiende a creer que la ambientación es solo una cosa de mangas de corte histórico, fantástico o de ciencia ficción pero, realmente, TODAS las historias tienen una ambientación. Puede resultar un poco raro, pero aunque una historia se sitúe en la época actual hay que cuidar la ambientación a fondo porque, muchas veces, se pierde credibilidad en una historia por no lograr que el ambiente resulte verosímil, echando por tierra todo lo que hayamos podido cuidar los demás aspectos.

Con ambientación no me estoy refiriendo tanto al proceso de creación de un universo fantástico sino a los pequeños detalles que crean el mundo por el que nuestros personajes correrán sus peripecias. Para eso, hay que tener claro dónde vamos a ambientar nuestra historia y ser coherentes: documentándonos, investigando y trabajando todo lo que podamos en ello para dar la sensación de que el entorno es sólido y reconocible. Además, es siempre recomendable que la ambientación se explique por sí misma, de forma visual, sin explicarle las cosas con texto al lector porque, al fin y al cabo, estamos haciendo un manga.

Hay varias cosas que componen la ambientación:

- La ropa de los personajes y su diseño: todos sabemos que se juzga mucho por el aspecto exterior. Probablemente sea el aspecto que menos se suele descuidar y, de hecho, muchas veces se pone excesivo énfasis en él. Pese a todo, la ropa que llevan los personajes y cómo la llevan dice mucho de ellos, por lo que siempre está bien hacer que tengan elementos distintivos y reconocibles que, además, les identifiquen un poco con el ambiente en el que viven o con su personalidad.

Por ejemplo, en Gurren Lagan la forma de vestir de Kamina dice muchísimo del tipo de personaje que es pero también del mundo en el que tiene lugar la historia. Esas gafas estrafalarias definen a un personaje atrevido, fuerte y esa forma de vestir sencilla, con el torso al descubierto, también deja ver un poco el mundo escaso y salvaje en el que transcurre la historia. Ai Yazawa deja muy claro cómo es Nana utilizando esa ropa de Vivienne Westwood, explicando muchísimo de una de las dos protagonistas con solo un vistazo.

- Los usos y costumbres que tienen: no todo el mundo se comporta utilizando las mismas rutinas. Y tampoco en todos los períodos de la historia se tenían los mismos conceptos morales que en la actualidad. Si un personaje se sienta sobre sus rodillas te explicará que es asiático, por ejemplo, o si un personaje asume que, siendo un plebeyo, nunca podrá gobernar sobre otras personas, te dice mucho del mundo donde está.

Por ejemplo, en Fullmetal Alchemist es muy sencillo diferenciar a los personajes que vienen Xing, de Ishbal o del Norte… no solo por una cuestión estética sino también por cómo se comportan y reaccionan ante las cosas, las costumbres que tienen. También en esa misma serie Elric se encuentra que, allá donde va, la gente desconfía de él por formar parte del ejército, lo que también explica muchísimo del mundo sin que Arakawa haya empleado una sola palabra para contar cómo son en el ejército.

- El lenguaje que utilizan, terminologías y de lo que se habla: no todo el mundo habla de la misma manera, ni tampoco en todas las épocas se usan los mismos giros, ni en todos los sitios se usan los mismos modismos. Un personaje inteligente usará palabras un poco más rebuscadas y uno sencillote será mucho más obvio a la hora de hablar. Por no hablar de que una frase con una palabra moderna en una historia medieval puede quitarte todo el ambiente que te has esforzado en darle a la hora de crear los diseños de los personajes o, si estás escribiendo una historia sobre cantantes de música, utilizar ciertas nociones de solfeo o nombrar artistas hará que resulte más fácil meterse dentro de la historia.

De hecho, Nodame Cantabile no tendría ni pies ni cabeza si no hablaran de fortes, semitonos, pizzicatos o si no se citaran compositores como Bach, Rachmaninov o Debussy. Lo mismo pasa con casi cualquiera de las obras de Adachi. Gracias al ambiente del béisbol, que es el deporte rey en Japón, le consigue dar un aire y un estilo característico a series como Bateadores o Cross Game, utilizando los términos como el Koshien, la caja, los pitcher y catchers, home runs, etc.

De carecer de estas cosas, todo quedaría más raro. En El Síndrome del Hilo Enredado habrá un poquito de esto, sobre todo en Marc, un personaje que es un lector empedernido y que analiza cada libro que lee aunque, para Alex, algunas veces no tenga muy claro de quién le está hablado pese a que trabaja en una tienda. Y, poniendo otro ejemplo del Hilo Enredado, Ulises, el tendero gruñón y algo pedante suelta cosas como “Abandonémonos a la vorágine del capitalismo” que en otros personajes de la historia sonarían muy raras.

- La arquitectura del entorno: los edificios, muebles, decoración, el arte, los vehículos, la vegetación, las herramientas que se utilizan… Todos los objetos que aparecen en nuestra historia tienen que resultar perfectamente coherentes con la época en la que ambientamos la historia pero también entre sí. Incluso si inventamos diseños para naves espaciales o armas, tienen que resultar coherentes primero con el entorno y luego la forma que poseen tiene que ser de alguna manera veraz y explicable. Aunque nunca se lo enseñemos al lector, si una nave espacial tiene un aspecto de velero debemos justificarlo por los vientos solares o algo por el estilo. Diseñar sin tener estas cosas en cuenta, a veces nos mete en embolados de los que nos puede resultar difícil salir.

Por ejemplo, uno de nuestros errores en las páginas que enviamos al concurso fue hacer que, empezando la historia en noviembre, los árboles de algunas viñetas estaban frondosos y no prácticamente desnudos como correspondería al invierno. Es un detalle menor pero que puede descolocar ya que, en la historia de el Hilo pasan varias estaciones, por lo que puede provocar una confusión innecesaria en el lector.

La arquitectura y los entornos, desde mi punto de vista, son una de las cosas que más hay que cuidar y que, normalmente, más se deja abandonado, limitándonos a hacer paredes sin detalles y casas perfectamente intercambiables entre ellas. Pero la forma de una casa o el tipo de coches que aparecen te define muy claramente en dónde se sitúa nuestra historia: si es una ciudad europea, americana, asiática, si es un barrio antiguo, residencial, rico o pobre… Hay muchos detalles que dan mucha información sobre la historia que cuentas y que no necesita ser explicada con palabras. Mirad estas dos fotos de aquí arriba, incluso sin mirar los kanji de los carteles del de la izquierda se puede ver que estamos en Japón mientras que en el de la derecha no es difícil saber que se trata de una ciudad de un país europeo, ¿no?

Además, si utilizamos ciertos escenarios recurrentes y reconocibles, nos facilita las cosas a la hora de que el lector entienda la situación en las escenas sin tener que estar definiendo el escenario continuamente. Por ejemplo, en Pechanko podemos imaginarnos el ambiente de todo porque vemos Barcelona por todos lados, en Nana conocemos más que de sobra la habitación 707 de arriba a abajo, con la mesa delante de la ventana o la bañera en la que las protagonistas se toman los baños. Nosotros en el Hilo estamos intentando crear unos cuantos ambientes familiares para que puedan ser reconocibles: la librería El Mensajero, la habitación de Alex…

Hay otras obras que se valen de la ambientación y del aspecto de sus edificios para casi contar toda la historia, como en Blame de Tsutomu Nihei, que utiliza esas macroconstrucciones enormes para explicar sin utilizar ni una palabra para ello el mundo en el que ocurre todo, o Trinity Blood que hibrida una tecnología un poco futurista/steampunk/victoriana con una estética totalmente vaticana que pone en relevancia el componente eclesial de los protagonistas.

En otro orden de cosas, a la hora de crear un mundo fantástico o de ciencia ficción, es tan importante o más aún tener en cuenta todos estos detalles ya que, al crear algo no cotidiano hay que hacer que todo se sostenga muy bien entre sí para hacer entrar en nuestro juego al lector. Sin embargo, eso no significa necesariamente que todo tenga que ser un fiel reflejo de periodos históricos o que sea científicamente posible. Una vez leí “todos cuando somos guionistas tenemos que convertirnos en grandes mentirosos y conseguir crear una mentira que se sostenga con la suficiente coherencia como para que la gente esté interesada en ella y no dude en ningún momento que todo eso puede ser verdad”.

A lo que me refiero es que, aunque no hay que obsesionarse con el rigor más absoluto, sí hay que prestar el suficiente cuidado como para conseguir que nuestra historia no se tambalee por una incoherencia o por un concepto histórico que es muy distinto a lo que ocurrió en la historia de verdad como, qué sé yo, hacer aparecer europeos en un manga de samurais previo al 1542, por ejemplo, o hacer que hubiera mayas en Noruega. Mientras la “mentira” que planteemos se sostenga y no le haga arquear una ceja al lector, es válida. La mejor manera de saber si provocamos esa duda en nuestro público es informarnos bien de todo y ser sinceros con nosotros mismos y con los mundos que creamos. Si os interesa este tema en particular, decídmelo por los comentarios y, si queréis, intento hacer un tutorial sobre crear mundos fantásticos o de ciencia ficción.

Y esto es todo por el momento, ahora vamos con lo que nos habéis ido haciendo llegar esta semana. Por un lado, Rina, una chica madrileña de 13 años nos ha hecho llegar este fanart de Alex que ha quedado de lo más chulo y que podéis ver justo debajo de estas líneas. Si queréis ver más de sus trabajos podéis pasaros por su DeviantArt. Ya sabéis que si queréis hacer como ella, podéis mandarnos vuestros fanarts en lolaldea@gmail.com que estaremos encantados de recibirlos y de ver cómo interpretáis a la tropa del Hilo Enredado.

¡¡Vamos con vuestras preguntas!!

Shiro Soul nos pregunta si creemos que Norma llegara al punto de considerar el merchandising de una obra.
Pues supongo que eso siempre depende de lo bien que funcione la obra en cuestión.

También nos pregunta si el ganador tiene que seguir durante el resto del año con este blog.
Y la respuesta es positiva, el ganador del concurso se encarga un año de este blog hasta que llega el siguiente ganador.

Matias nos hace llegar unas cuantas dudas: ¿El concurso es libre en cuanto a genero? ¿correría con algún tipo de censura?

Sí, completamente libre. Además, personalmente (habla Miguel) Kentaro Miura es una inspiración espectacular XD Berserk es uno de mis mangas favoritos (la saga de la banda del Halcón es simplemente espectacular)

En cuanto a la censura lo dudo bastante. Norma publica series como Priest o Hellsing, que salvando las distancias, son un poco en ese corte, o Black Lagoon, Air Gear o Del Cielo al Infierno que no son para nada políticamente correctas.

También Matías pregunta: ¿Necesito una tableta para dibujar para usar manga studio y que el resultado sea presentable?

Me temo que si, un ratón no te detecta la presión que ejerces al dibujar, así que la linea quedaría plana y sin personalidad. En cambio con una tableta no tendrías ese problema.

Si un proyecto enviado no gana ni se lo menciona siquiera, ¿es posible presentarlo en otro concurso de cualquier otra editorial u otra indole?

Sí, se puede. De hecho, es bastante normal y hay alguna historia anunciada por otras editoriales que se presentaron primero al concurso, e incluso alguna quedó entre las finalistas en algún año.

Tercero, harías un tutorial especifico, en el cual explicite que tipo de boligrafo, pluma(etc) se utiliza en cada caso para el entintado? y si se puede ahondar, una recomendacion de tramas , que tipo se utiliza dependiendo de la seccion del dibujo en que se aplique? =)

Se podría, pero debes pensar que no hay un método rígido para todas estas cuestiones. Cada autor utiliza las herramientas que le son más cómodas, por ejemplo, en el shonen se usa mucho la plumilla G y en el shojo se tiende más a la maru. Yo uso la maru para entintar normalmente y la kabura para fondos por que da una sensación más inerte. Las tramas ya son otro mundo, las de degradados o planas son comunes a todos los mangas, y las de efectos depende del genero de nuestra historia. Ante todo aquí se usa la lógica.

Juan nos dice: Hola, para el concurso hay que poner el argumento pensado para esa obra autoconclusiva de 160 páginas nomas?…o también el de como seguiría la historia?

Solo es necesario poner el guión para el tomo autoconclusivo pero siempre puedes, a modo de extra, poner alguna pincelada de las bases que pudiera tener un posible tomo dos.

Tairux comenta: Me he dado cuenta que en los mangas los margenes internos son mayores que los externos de la página! existe una regla para eso? o ¿simplemente hago mis dibujos centrados y la editorial los posiciona al momento de imprimir?

Debes presentar a la editorial los originales de tal manera que ellos solo tengan que rellenar bocadillos y poco más. En una de las primeras entradas pusimos una plantilla que hizo Inma en su día con las dimensiones y las lineas de sangre de una página, si puede ser úsala de referencia a la hora de presentar el manga al concurso. Como dices en los mangas se suelen respetar casi siempre los margenes interiores, los que dan al lomo. Basta con que le echéis un vistazo al canto de arriba y abajo de cualquier manga. Veréis que hay un trozo mayoritariamente blanco pegando al lomo y luego un punto en el que empiezan a ser todo grises. Esto es para que las páginas tengan más orden visual y no invadas una página con la de al lado. Así cada página conserva su unidad visual. En cambio si lo ponemos a sangre obtendremos una sensación de desborde y confusión poco recomendables.

Christian nos pregunta: ¿hay alguna regla en especial para los margenes internos y margenes para los textos para este concurso y que beneficios tiene trabajar con páginas dobles en el manga studio?

Esta pregunta iría al hilo de la anterior. Como he comentado los mangas en su gran mayoría respetan los márgenes interiores y no abren a sangre ninguna viñeta que dé al interior del tomo. En cuanto al texto más o menos lo mismo. No es conveniente invadir este margen interno, si acaso algún borde de algún bocadillo pero nunca colocar texto que supere el margen interior de la plantilla. Poner textos muy pegados al lomo puede hacer que el lector tenga que forzar un poco el tomo y abrirlo de más para poder leer. Trabajar con las páginas dobles ayuda a ver cómo quedarían las páginas una vez impresas, a hacer que las páginas tengan un orden visual entre sí y evitar que por despiste pongas dos viñetas con ángulos demasiado parecidos y parezca que son idénticas.

Por otro lado, muchas gracias por tus palabras Nos alegramos mucho de leer algo así y esperamos que le resultado final cuando puedas leer el Hilo finalmente te guste

Angel Camus nos pregunta la razón por la que porque usamos paginas dobles. ¿seria mejor entregarlas asi al concurso? ¿cual seria el navegador del cimoq se podrian visualizar las paginas dobles sin necesidad de separarlas?

Al concurso es mejor entregar las páginas por separado, el grafista ya se encarga de montarlas para que se vean bien en el visor. En cuanto al visor de CIMOC suponemos que usarán el mismo que tienen en la web para ver la preview de los mangas que tienen a la venta. Podéis echarle un vistazo en este enlace, elegid cualquiera de los títulos y pinchad en “Ver Muestra”. En cuanto a la razón por la que utilizamos las páginas dobles ya lo hemos comentado en la anterior respuesta.

Elemto P nos dice: Yo soy de la idea de que primero tengo la historia completa y despues la adapto mas facilmente a las 8 páginas, pero no puedo continuar poque me enrede y no tengo inspiración! ¿Algún consejo de que me puedan dar?

Intenta dotar de estructura el fragmento de la historia que quieras que ocupe esas 8 páginas. Presentación de personajes, del mundo, contar cual será el hilo central que vertebrará tu historia… tener claros unos objetivos a cumplir en esas 8 páginas y en las 160 si se diera el caso te ayudarán a evitar lo más posible la desagradable sensación del ¿y ahora qué? échale una leida a las entradas que hicimos sobre la estructura (1 y 2)y la inspiración, igual te ayudan

Elemto P también nos pregunta: para hacer las tramas y texturas, incluso algunas sombras, tiene que ser digitalmente o conocen una manera más o menos sencilla de hacerlos a mano??

Se puede usar el sombreado típico a base de rayas, pero para que quede perfecto se requiere de mucha destreza y pulso.

Me gustaría saber si para un manga spokon deberíamos inventar los nombres de todos los jugadores y equipos que aparezcan o se pueden utilizar jugadores y equipos reales, con sus equipaciones y escudos propios.

Para un spokon sí sería necesario inventarse los nombres de jugadores y equipos, así como las equipaciones… si ellos son el eje del protagonismo de la historia. Pero si, por ejemplo, el protagonista admira a Messi, a Cristiano, a Jordan o a Adam Vinatieri, sí se podrían usar los nombres y mencionar al Barça, al Real Madrid, a los Chicago Bulls o a los Indiana Colts. Pero, para que te hagas una idea, por ejemplo el manga de Campeones, la liga donde Óliver juega como delantero del Barcelona o Mark Lenders en la Juventus de Turín, tiene como problema que habría que pagar los derechos de imagen a la LFP para poder publicarlo. Por eso mismo, por problemas con los derechos de imagen no podrías usar esos nombres reales como eje central de tu historia.

jaryclea nos pregunta si algun ganador del concurso norma a sido de otra nacionalidad distinta de la española.

Sí, Estudio Acuarela, las ganadoras del 2º Concurso Manga eran chilenas.

Pellakalion nos pregunta por cómo nos organizamos en el tiempo y cómo planificamos los horarios.

Pues dedicamos todo el tiempo que podemos al manga, aunque como es normal la que más horas pasa trabajando en él es Lolita ya que la labor del guionista en principio acaba cuando se finaliza el storyboard, quedando únicamente para retocar y corregir alguna cosa si se tercia. Nuestro planning de trabajo es abocetar el tomo entero y, una vez esté terminado, pasarlo a limpio y poner las tramas. Lolita trabaja normalmente entre 8 y 10 horas diarias en el manga y seguimos el método de planificación que contamos en esta entrada del blog.

kami.samagab pregunta: si ganara el concurso hay posibilidad de extender la obra es mas facil que Norma te la publique o tienes todo el derecho de que te publique? no se si me explico para que te publique la extension es algo totalmente alternativo o tienes derecho a que te lo publiquen por el premio y los derechos de publicacion?

No tienes derecho a que te publiquen una continuación. El contrato según las bases del concurso abarca el tomo autoconclusivo y no va más allá. Así que todo lo demás que pudieras hacer se quedaría sin publicar a no ser que tu tomo tuviera mucho éxito y estuvieran interesados en que siguiera.

Art-Fan nos pregunta: Lolita, cuanto tardas en hacer una página completa? yo con fondos y tinta suelo tardar unas 8 horaaaas!

Pues no lo he medido bien.  Pero entre 6 y 7 o menos, depende de la página y de lo compleja que sea.

Qué cosas se suele tener en cuenta a la hora de seleccionar al ganador?? si es autor completo y poco conocido supongo que influye en contra, no?

Se basan unicamente en el valor de la obra en sí misma. Sin tener en cuenta quien lo hace o sus circunstancias.

 GabrielGabri nos dice: Es requerida una edad minima para que una editorial acepte un manga tuyo y si en el caso de que sea asi es por el motivo de estudiar? o simplemente por no tener experiencia?

En las bases no dice nada al respecto pero quien se vaya a presentar debe ser responsable y pensar si podrá tener terminado el manga a tiempo y en caso de ser menor de edad deberán firmar sus padres el contrato.

Kuroneko-chan nos pregunta: Hola, quería saber que piensan ustedes sobre las onomatopeyas que no representan los sonidos, si no la acción; como por ejemplo: En lugar de escribir “tap, tap” ponen “camina, camina”u otros como “escribir”, “voltear”, “saltar”, “sorprenderse”, etc… ¿Eso le quita lo profesional o artístico? ¿O es solo cuestion de gustos e interpretación? ¿Ustedes pondrían algo así en su manga? ¿Lo han hecho alguna vez?

Personalmente, a mí no me gustan. Ese tipo de acciones deberían entenderse por sí mismas y no usar ese truco para no “currarselas”. No sé si es o no profesional, pero pocos mangas he visto con ese tipo de textos y, que recuerde, sólo la he encontrado en traducciones amateur… Yo no pondría algo así y si alguna vez lo hice no me acuerdo

Hay algunas excepciones muy concretas del tipo de alguien sorprendido que pones *shock* o *sorpresa* y cosas similares. Al final siempre todo es una cuestión de preferencias… pero esta en particular no está demasiado bien vista.

Y eso es todo por esta semana, esperamos que hayamos resuelto vuestras dudas . Si os surgen algunas más no dudéis en postearlas y siempre hacerlo en la última entrada publicada. ¡Nos leeemos! ^__^

Los Fondos (3ª Parte) y un concursillo

¡Hola a todos!

Ha sido una semana en la que por fin hemos podido darle ritmo al manga tras viajes, trabajos varios y demás parafernalia. De hecho, ha sido muy productiva y hemos avanzado bastante aunque esperamos que esta que comienza ahora lo sea aún más.

El martes 20, a las seis de la tarde, Lolita hará un livestream como los de las últimas dos semanas. En el anterior, dibujó la portadilla del capítulo 3 donde podéis ver a Marc y que está justo debajo de estas líneas. Aprovechándonos de él, habíamos pensado en hacer un pequeño concursillo con vosotros.

Es muy sencillo: si os fijáis Marc lleva un libro en las manos… pero el libro está completamente en blanco. Pues bien, el concurso consiste en darnos un título para el libro que lee Marc. Tenéis que tener en cuenta un poquito su personalidad, de la que hablamos al final de un post de hace un par de meses, para que le pegue que esté leyéndolo, claro. El que más nos guste lo pondremos en la portadilla junto con el nombre del autor que, por supuesto, se incluirá en el manga y podréis verlo cuando esté publicado. Para participar, simplemente dejadnos el título que se os ocurra en los comentarios de esta entrada. Tenéis de plazo hasta el segundo post del mes de abril, que será el día 9 o el 10 aproximadamente.

Como extra, esta semana también os dejamos el video a cámara rápida del proceso de dibujo de la portadilla aunque, como de costumbre, también podéis verlo a velocidad normal aquí.

Ahora volvemos otra semana más con los fondos, está será la tercera y última parte del tutorial sobre las reglas del Illust/MangaStudio y Lolita se pone a los mandos de nuevo.

Trabajaré en esta ocasión con una regla de 2 puntos de fuga que es la que más suelo usar.

Lo primero es preparar nuestro boceto y dejarlo lo más limpio que podamos.

Trabajaré el fondo independientemente de la figura, así no tendré problemas si me equivoco y tengo que corregir algún error.

Colocamos la regla esta vez en el Mangastudio ( es muy parecido en el illusstudio) dandole a Regla>Nueva regla especial y escogemos 2 puntos de fuga) y recolocamos los ejes hasta que sean lo más parecidos posibles al boceto original. Como ya explicamos en las anteriores partes, los puntos de fuga son los puntos en los que se nos pierde la vista en el horizonte y hacia donde debe ir la perspectiva para ser coherente. Elegir bien los puntos de fuga es algo mayormente intuitivo pero ayuda muchísimo ver muchas fotografías.

 

Esta perspectiva tiene los puntos de fuga lejos del lienzo por eso se salen de la pantalla. Si estuviéramos trabajando en tradicional, tendríamos que pegar folios o algún tipo de papel para extender nuestro lienzo hasta llegar al lugar donde está el punto de fuga.

 

Una vez ajustada la regla se quitan los ejes para no correr el peligro de mover los puntos de fuga sin querer. Se ponen donde nos sean más cómodos y molesten menos.

 

Podemos empezar ya a entintar. Para los fondos arquitectónicos como este utilizo varias capas diferentes que consigo a base de duplicar la capa con la regla de perspectiva. Utilizo una para las verticales, una para las lineas que fugan hacia la derecha y otra para las que fugan a la izquierda. Asi hago que, al borrar los sobrantes de las lineas, las demás queden intactas y no den problemas.

 

Dibujo terminado a falta de unos cuantos toques. Como se puede ver queda bastante plano. Es lo que se busca, los fondos de edificios deben tener lineas bastante neutras al contrario de todo lo que es orgánico.

 

Linea del fondo definitiva, le he dado más grosor a ciertas partes del dibujo para que se vea el foco de luz de la escena. Todo esto se completará con tramas cuyo tutorial veremos un poco más adelante.

Y con esto finiquitamos el tema fondos por ahora y vamos con los comentarios y dibujos que nos habéis dejado esta semana.

Empezamos con los fanarts que hemos ido recibiendo:

Ya sabéis que si queréis hacernos llegar un dibujo vuestro, no tenéis más que mandárnoslo a lolaldea@gmail.com con un peso razonable. Nos hace muchísima ilusión ver que os animáis a dedicarle tiempo y a regalarnos estos detallazos >.< Aún nos cuesta creérnoslo cuando los vemos llegar al correo .

Esta semana hemos recibido varios, el primero de ellos viene de parte de un habitual tanto del blog como del livestream, Alexanime, que nos envía una Alex de lo más encantadora que podéis ver aquí a la izquierda, con un color muy chulo y en una perspectiva complicadilla ¡Muchas gracias y esperamos verte de nuevo por el chat del live!

Y luego, PabloKitten, pese a haberse animado en el pasado con otro fanart, el martes pasado, en vivo y en directo mientras hacíamos el livestream, se arrancó a dibujarnos este chibi de Alex completamente enredada. Una cucada.

Y por último vamos a por las preguntillas que nos habéis dejado por los comentarios que esta vez han sido poquitas.

Además de enviarnos el fanart, Alexanime nos hace en los comentarios lo que llama la “pregunta del millón” XDDD: si se entinta a 1200dpi pero el illuststudio solo llega a 600, ¿cómo se hace para pasar algo del manga studio a 1200 al illust?

El Illust Studio soporta el formato del Manga Studio. Yo para crear los archivos de imagen, primero hago el original con el Manga Studio, poniéndolo a 1200dpi. Lo guardo en el formato normal del Manga Studio y luego, simplemente abro ese archivo con el Illust. No tiene ninguna incompatibilidad ya que son de la misma compañía.

ShiroSoul nos plantea un tutorial sobre flashbacks, dibujar cosas que ocurren en el pensamiento del personaje y cosas semejantes

Nos lo apuntamos para hacer, de todas formas si quieres incluír unas páginas con un flashback, siempre pueden poner los bordes de las viñetas en negro o en gris oscuro para diferenciarlas de la narración normal.

También nos pregunta nuestra opinión sobre si un manga romántico en los concursos lo tienen dificil por impresionar menos que una serie de accion, terror u otros generos.

Personalmente pensamos que todos los géneros tienen sus pros y sus contras a la hora de presentarse a un concurso. Como comentas, puede que un manga de acción o terror pueda quedar visualmente más impactante al presentarse a un concurso, sin embargo esa espectacularidad también va en su contra ya que las escenas de acción consumen muchas más páginas que hacen que una presentación en 8 de ellas pueda ser más complicada y además incluyen mundos que normalmente requieren de explicaciones complejas.

Un manga romántico o de vida cotidiana, puede presentar los personajes y el planteamiento de una forma menos espectacular tal vez pero es más entendible de arranque, poniéndose a funcionar rápidamente poniendo el peso en unos personajes que, eso sí, tienen que construirse muy bien, tener matices y resultar atractivos.

Tampoco creemos que un manga de acción, terror o un género más visual tenga muchas oportunidades en un concurso si realmente no tiene algo que le haga diferente de los demás y le haga resultar atractivo. Así que, realmente, se parte del mismo punto: nuestra historia tiene que tener algo que la haga especial y la distinga de otras.

Personalmente, pensamos que el género de la historia no es tan relevante a la hora de presentarnos a un concurso frente a estar cómodos con la historia que presentemos. Tenemos que sentirnos bien dentro del género… porque 160 páginas son mucho trabajo y se haría mucho más cuesta arriba si no nos sentimos bien haciendo lo que hacemos.

Tairux regresa al blog (¡¡bienvenido de nuevo!!) y nos dice que no encontró la respuesta a su pregunta… ¿cuál era? Estaremos gustosos de responder pero no sabemos a cuál te refieres >.< Luego nos sugiere otra idea para un tutorial: bancos de niebla y objetos o personas detras de ella, rayos y demás fenómenos climatológicos. Es una buena idea así que también la apuntamos

De una forma rápida, para dibujar gente detrás de niebla y que quede bien, hay que hacer que se intuyan la silueta de la persona que sea a base de se hacer rayitas paralelas, sin darles borde definido. También hay que difuminar lo que son las extremidades y cualquier objeto que lleve el personaje.

En cuanto a los rayos, la mejor opción siempre es tomar una referencia fotográfica de las muchas que hay por internet. Normalmente tienen un eje central que es el que va desde la nubes al suelo del que se bifurcan algunos brazos adicionales que son parecidos al eje original pero más pequeños (sí también vuelven a separarse algunas veces). En una escena donde aparece un rayo, para darle verosimilitud hay que hacer que influya en la luz de la viñeta/dibujo, iluminando y alargando las sombras que proyecta nuestro dibujo. De todas formas, este tema lo tocaré más a fondo en un post con más efectos de clima.

Rina nos hace dos preguntas: La primera es ya una habitual: ¿El Illust lo compramos o lo descargamos?

Lo compramos hace un tiempo, trayéndolo unos amigos de un viaje a Japón. Del Manga Studio tenemos la versión americana que sacó SmithMicro y que se puede comprar por internet.

Rina también nos pregunta por cómo dibujar manos, una de las cosas que siempre son de lo más complicado del cuerpo humano.

Yo utilizo un truco: al abocetarlo hago que las falanges de la mano sean como las de un maniquí, haciendo que cada dedo tenga tres partes (a excepción del dedo gordo que tiene dos) y haciendo que sean coherentes entre ellas.

Y con esto acabamos por esta semana, nos leemos en seis o siete días en el blog y mañana si os apetece pasaros por el livestream en el que estaremos ambos charlando con los que se pasen por allí. ¡Animaos a participar en el concurso y a hacernos todas las preguntas que se os pasen por la cabeza!

¡Hasta la semana que viene!

Los Fondos (2ª parte)

¡Hola de nuevo!

Esta semana pasada ha sido un poco liosa, con viajes de por medio, presentaciones, atender a prensa y hacer dibujos a todos los que se acercaron a la mesa de firmas del Salón Internacional del Cómic de Granada. Hemos vuelto hechos polvo, pero aquí estamos con la segunda parte del tutorial sobre fondos. Además al lado de estas líneas podéis ver en lo que se convirtió el gurruño de la semana pasada en el livestream en el que nos vinisteis muchos a ver y con los que estuvimos de cháchara toda la tarde.

La parte de hoy tratará sobre cómo funcionan las reglas del Illuststudio y en concreto las reglas de un solo punto de fuga. Este tipo de regla es la más simple de todas y por tanto la más fácil de usar. Es a su vez la más pobre, con lo cual no conviene abusar mucho de ella en nuestras páginas.

Usaremos de referencia la página 9 que ya habíamos colgado… Como veis hay un fondo en la viñeta central, será el que usemos para este ejemplo.

 

El fondo está inclinado, lo primero que haremos será enderezarlo para que las líneas verticales u horizontales sean paralelas a las de nuestra futura regla.

 

Luego creamos nuestra regla y la recolocamos para que boceto y regla tengan un punto de fuga similar y compartan algunas de las lineas más importantes. Para llegar a ella, sirve con darle a Regla > Puntos de Fuga > Crear Perspectiva de un Punto de Fuga.

Veremos que aparecen la línea de horizonte (A), el punto de fuga (B) y dos líneas que nos servirán de referencia para ver hacia dónde irían nuestras líneas si usáramos el punto de fuga en el sitio en el cual está situado en cada momento. Estas líneas tienen a su vez otros puntos (C y D) y que servirán para manipularlas, bien para mover las propias líneas pinchando en C,  o bien para mover con los puntos pequeños (D) el punto de fuga usando como eje el sitio en el que está situado C. Dicho así queda un poco lioso, pero en cuanto lo probéis lo entenderéis sin problema .

Ponemos luego la cuadricula para tomar sus cuadrados como referencia a la hora de dibujar. Para ello, usamos Ver > Mostrar Cuadrícula.

 

Comienzo a hacer el dibujo intentando que las medidas sean las más aproximadas posibles al boceto inicial.

 

El dibujo base de las estanterías está hecho, ahora queda dar retoques, negros, poner tramas y terminar la viñeta

La semana que viene seguiremos con más fondos, pero con dos puntos de fuga.

¡Y ahora vamos con un extra! La semana pasada pasamos un buen rato con la gente que se pasó por el livestream y, entre otras cosas, nos pedisteis que subiéramos el video de la portadilla y aquí está.

También podéis ver las versiones a velocidad normal aquí y aquí .

¡También nos ha llegado un fanart de Miryam. Esta vez le toca el turno a Marc ¡Le ha quedado muy auténtico y parecido! ¡Gracias! ¡Es una pasada!

Las preguntas de esta semana han sido:

Carlos pregunta:¿tiene el concurso restricciones en cuanto al genero, quiero decir, generos como gore, hentai, terror, etc? ¿sabeis por que no se han continuado ninguno de los mangas que ganaron el concurso años anteriores no lo entiendo?

En principio no hay restricciones en cuestión de género, es todo tal y como lo pone en las bases. Lo de continunar las series realmente es un tema que no sabemos pero, al leerlas, se nota que están planteadas para un solo tomo. El Síndrome del Hilo Enredado también será solo un tomo.

BAVARELL nos pregunta:Hola!, tengo una pregunta para ustedes o para quien pueda orientarme por ahi: si doy los efectos de sombra a mis páginas con lápiz o con rotulador, ¿como hago para pasarlas a blanco y negro en photoshop?

Simplemente con darle a Image-> mode-> bitmap lo pasas a blanco y negro.

Kuroneko-chan nos dice: ¿Podrían hacer un tutorial sobre cómo dibujar y/o entramar la naturaleza (árboles, bosques, campos, troncos, etc), para que parezca lo más real posible?

Tomamos nota

Rhaelle nos pregunta: Espero que esta duda no halla sido preguntada antes ^^: Acabo de adquirir el IllustStudio y a la hora de importar archivos en 3D, veo que hay una opción que es la de importar desde Pose Studio, pero no puedo. El caso es que tengo varios modelos y posturas en formato .pep y.lwo y no los puedo abrir, y me está volviendo loca. ¿Vosotros – ya que veo que también usáis IllustStudio – podríais indicarme algo? Muchas gracias!

Nunca he usado el pose estudio… pero se me ocurre que pruebes a crear una capa de 3D en el Illust y que desde ella intentes importar los modelos, a ver si así funciona.

Mishashi nos comenta que, al hacer cuerpos en perspectivas tiene dudas de cómo colocar los cuerpos y si podríamos realizar un tutorial al respecto.

También lo apuntamos para hacer un tuto en el futuro aunque esas perspectivas son siempre complicadas y cuesta que queden bien porque no estamos acostumbrados a ver a la gente así. Son un quebradero de cabeza >.<

Este martes haremos livestream otra vez, esperamos veros por allí de nuevo ^^. ¡Nos leemos!

Los Fondos (1ª parte)

¡Buenas a todos! ¡Lolita al habla!

Érais varios los que lo llevábais tiempo pidiendo, así que hoy toca hablar del tema de los fondos, esos grandes olvidados, evitados y temidos a la hora de dibujar.

Esta es una introducción con las bases sobre las cuales empezar a trabajar la perspectiva de nuestros fondos. Pero lo primero que nos tenemos que plantear es para qué nos sirve un fondo… la respuesta es obvia: para situar a nuestro personaje espacialmente en el escenario y darle un contexto físico con el que interactuar. Es una parte vital a la hora de dibujar cómic sea del tipo que sea, los fondos son tan importantes como los personajes y se merecen un trato igual a ellos.

Esto no significa que en cada viñeta debamos dibujar un fondo complejo que represente el escenario que sale en el plano ni mucho menos: la cuestión es que es  buena idea, aunque no obligatorio, dibujar un fondo complejo en cada página. Sin embargo, si nos hemos movido a un escenario nuevo o si queremos enseñar el mundo en el que se desarrolla la historia, es totalmente necesario incluir varios fondos más o menos elaborados para eso mismo, para que el lector no se despiste y tenga muy claras las referencias espaciales en las que se mueven los personajes.

Si hiciéramos una clasificación muy general podríamos encontrar en el manga cuatro tipos de fondos: complejos, simples, esquemáticos e inexistentes. Los nombres no dejan lugar a muchas dudas, los complejos son una representación detallada y completa del escenario, los simples son una fragmentación de él, como un trozo de pared, de suelo, una puerta, etc. Los esquemáticos serían una silueta (por ejemplo de hojas, árboles, un perfil de una ciudad, un montón de cinéticas…) y los inexistentes son eso, inexistentes, y se utilizan bien porque queremos dar mayor énfasis a lo que exprese el personaje en ese momento (dejándolo en blanco o rellenando con tramas de efectos, como las forecitas y lucecitas que ponen en los shojos), bien porque la viñeta es muy pequeña y al colocar al personaje más el fondo quedaría muy recargado o bien porque la página ya tiene suficientes fondos.

Una vez tengamos claros estos conceptos podremos jugar con la profundidad en una viñeta. Veamos un ejemplo: tenemos un bosque por el que se mueve nuestro personaje, en primer plano tenemos unos detalles de hojas (fondo simple), en segundo plano estarán los personajes, en tercer plano habrá arboles (esquemático) y en cuarto plano vemos montañas y cielo. Como se puede ver el grado de detalle determina cuan cerca o lejos están los objetos de la “cámara” que captura la acción. Además, un elemento que también  interviene aquí es el grosor de la línea, contra más lejos estén las cosas más fina será la línea y cuanto más cerca más gruesa. Sin pasarse, claro está.

Una vez situado el personaje ya solo hará falta algún detalle en las viñetas siguientes para que el lector entienda dónde estamos.

Otro detalle muy importante a tener en cuenta son las proporciones y perspectiva. El tamaño del personaje debe ser siempre coherente y proporcional al fondo dibujado y mantenerse constante a lo largo de las viñetas. Y lo mismo en la relación de perspectiva de fondo y personaje o si no acabaremos dibujando personajes que vuelan y que en una viñeta miden 1’60 y en otra 1’90.  Un truco para esto es englobar al personaje en una forma geométrica simple que sea fácil de poner en perspectiva y tener referencias en el fondo que nos den pistas de por dónde debería ir el alto del personaje. Por ejemplo una ventana o un cuadro, ramas de un árbol, ladrillos de una pared, estanterías… cualquiera de estos elementos o similares nos pueden ayudar a que el tamaño del personaje con respecto al entorno sea constante a través de las páginas.

Y de momento esto es todo, en próximas entradas explicaré cómo se usan las reglas de perspectiva del Illuststudio y Mangastudio (que son prácticamente iguales).

La semana pasada Tenshio nos mandó este fanart de Alex . Este es su DeviantART por si queréis visitarlo. ¡¡Gracias Tenshio por el dibujo!! ¡Es una pasada! Si alguno de vosotros se anima a mandar algún otro fanart ya sabéis que tenéis el mail lolaldea@gmail.com para ello

Ahora toca responder vuestras preguntas

Tenshio nos dice: ¿tal vez podríais hacer tutoriales sobre movimiento, ángulos de cámara o backgrounds? 

Gracias por las sugerencias Como ves esta semana hemos hecho una introducción a la planificación de fondos que iremos desarrollando a lo largo de las siguientes entradas, apuntamos los otros temas para futuros tutoriales ^_^

Rina y Carlos nos preguntan: en el caso del manga ganador, ¿la obra se tendría que dividir en capítulos o iría toda seguida? Y en caso de ser por capítulos, ¿hay un número determinado de páginas por capítulo o puedes dividirlos por el número de páginas que tú quieras?

Todas esas cuestiones quedan a tu elección, la editorial no da ningún tipo de directrices en lo que respecta a ese tema. Así que puede ser exactamente como tú prefieras

Carlos también pregunta: ¿Respecto a los 2000 euros en caso de ganar se les descuenta algo tipo IRPF y se le añade IVA o te los dan sin mas?

Según las bases son 2.000 euros brutos, así que suponemos que se les tendrán que aplicar los impuestos que toquen en este caso.

Apolo nos dice: Bueno, estoy configurando un manga y tengo algún pequeño problema con los fondos abstractos. Me gustaría saber un poco más sobre ellos, pues navegando por internet apenas he encontrado algo. Y creo que aquí es un buen sitio para que me echen una manita.

Haremos algún tutorial en el cual tratemos este tipo de fondos, pero te puedo adelantar que sobre todo se usan para reflejar estados de animo. Así que la elección de cuál usar varía en cada caso.

Mario nos pregunta: ¿Conocéis alguna página donde se puedan importar cosas de japon mediante pedidos? ¿De que página sacáis las referencias para dibujar?

http://www.mangablog.es/venta-de-material-para-dibujar-manga Esta es la única web que conozco, pero nunca he comprado allí y no sé cómo irá. Para referencias está nuestro amigo Google que siempre nos echa una mano cuando nos hace falta XD y luego las nuestras propias, fotos que hemos hecho, muebles de casa… cualquier cosa que necesitemos dibujar y que tengamos a mano. Por eso es buena idea ir siempre con una cámara de fotos (aunque sea la del móvil) y capturar todo lo que nos llame la atención porque, en un futuro, igual nos sirve como referencia

Tony nos pide: me gustaria que si no es mucho pedir, hicieran un tutorial de como dibujar agua con tramas y eso, es mi punto mas flojo xD

Lo del agua es un tema muy interesante, lo apuntamos a la lista de futuros tutoriales que hacer ;D

Rina nos pregunta También: las tramas, ¿de dónde las sacais? ¿de alguna página de internet?

Usamos las que venían por defecto con el Mangastudio. Hay bastante variedad y como algunas son modificables hay muchas donde elegir.

Chiheisen buru nos pregunta: quisiera saber ¿porque norma editorial expone un año para terminar un cómics de 160 paginas? mas o menos, si no me equivoco, en Japón las participaciones son mas fuertes cada mes tienes que mandar en los concursos de la shonen jump mínimo 38 a 45 paginas como máximo al mes!, lo se porque yo empecé a participar en estos concursos y en el 2011 estuve tres meses participando, lo lógico es que realizaran el mismo trato de la forma de concurso para los autores aquí en Europa, ya sea España, Francia o otros países que se mueva la industria del cómics a sin te prepara para ser serializado, y te motiva mucho mas, cuando veremos esta forma de pensar aquí en España? soy un dibujante de cómics y dibujante estudiante de animación tradicional que lleva mas de 12 años dibujando cómics y animación autodidacta. Ser dibujante de cómics es una profesión como otra cualquiera, A ver si en España evoluciona la cosa un poco a mejor para los autores.

¿Por qué un año? Bueno, desgraciadamente el mercado español no da para sostener una industria parecida a la francesa, la americana o la japonesa. La mayoría de las personas que se dedican al dibujo o el cómic, a no ser que trabajen para países donde la industria sí puede sostener unos sueldos suficientes para mantenerse mes a mes, han de buscarse otro trabajo con el que complementar.

Eso hace difícil marcarse plazos cortos y es la razón por la cual se da un año de plazo para terminar el manga. Pero sí, ojalá que la cosa evolucionara a una situación mejor.

Jane nos pregunta:  ¿cómo le hacen para añadir las letras en manga studio ya que nada más aceptan inglés , lo hacen con photoshop?

Exacto, a la hora de dar el toque final a las páginas les ponemos los textos con el photoshop.

Gracias Christian por echar una mano a resolver dudas!

Este lunes 5 de marzo dedicaré la tarde a convertir este gurruño en una de las portadillas de El síndrome del hilo enredado XD Haré Livestream a partir de las 6 de la tarde (hora española). Estaré con ello unas cuantas horas así que pasaos cuando queráis. La semana que viene podréis ver el resultado terminado en el próximo post. ¡Os animo a que os dejéis caer por allí y charléis con nosotros!

También recordaros que estamos aquí para resolver cualquier duda que tengáis así que no os cortéis y dejad vuestras preguntas en los comentarios. ¡Nos leemos la semana que viene!